miércoles, 30 de junio de 2010

Lira

La lira (del latín «lyra», y este del griego «λύρα») es un instrumento de cuerda punteada primitiva, con forma de ábaco, cuyo origen los griegos atribuyeron a Hermes o a la musa Polimnia. Fue el instrumento musical que tañó Orfeo y el que acompaña a Apolo como símbolo del Estado ciudadano, de la cultura y de la música.

La lira es un instrumento musical que, como el arpa, se tocaba con las dos manos.

En manos de David, el rey poeta y sabio, la lira evoca la unión con la divinidad y la religión. El rey David tocaba la lira para tranquilizar a Saúl.

Los instrumentos descendientes de la lira son la cítara, la guitarra y el laúd, que continúan la tradición de la lira hasta nuestros días como los instrumentos del poeta y el trovador. Dyehuty es el dios de la sabiduría, la escritura, la música y de la Luna, en la mitología egipcia. Estaba relacionado con la música como inventor de la lira. Wikipedia

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Koto

El koto ( o ) es un instrumento de cuerda japonés de origen chino, similar a un guzheng.

Este instrumento ha sido utilizado ampliamente no solo en la interpretación de la música tradicional, sino también en muchos géneros contemporáneos.

Fue introducido desde China durante la era Nara (710-793). Una de las obras más conocidas es Rokudan no Shirabe. Rokudan fue compuesta por Yatsuhashi Kengyō. Otra pieza clásica muy conocida es Haru no umi (Mar de Primavera) de Michiyo Miyagui.

Hay varios tipos de koto:

  • El más tradicional de 13 cuerdas.
  • El jūshichigen (lit. «17 cuerdas»), inventado por el célebre músico Michio Miyagi (1894-1956);
  • Kotos de 23 y 30 cuerdas desarrollados por una de las más famosas intérpretes contemporáneas, Keiko Nosaka;
  • Hachijūgen (lit. «80 cuerdas») inventado por Michio Miyagi como un instrumento cromático que pudiera acoplarse a los requerimientos técnicos de los lenguajes musicales de tipo occidental. Este fue utilizado en tan solo una composición del maestro Miyagi. Desafortunadamente el único instrumento de este tipo fue destruido durante los bombardeos a Tokio, pero existe una copia de él en el Museo de Michio Miyagi (Miyagi Michio Kinenkan) en Tokio.

Para pulsar el koto se utilizan tres uñas -tsume つめ- hechas de bambú o marfil colocadas sobre los dedos pulgar, índice y medio de la mano derecha. La forma de dichas uñas varía de acuerdo a la escuela de interpretación: Yamada e Ikuta. La función más básica de la mano izquierda es la de presionar las cuerdas durante la ejecución con el fin de cambiar levemente la afinación y así hacer ornamentación sobre algunos sonidos. Wikipedia

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Kora

La kora es un instrumento de 21 cuerdas, mezcla de arpa y de laúd, muy extendido entre los pobladores de África occidental.

La kora se construye a partir de una calabaza grande cortada a la mitad, cubierta de cuero de vaca para lograr la caja de resonancia a lo que se le agrega un puente con muescas como un laúd o una guitarra.

El sonido de la kora recuerda el del arpa, aunque cuando se toca de forma tradicional, se asemeja más al estilo de las guitarras flamencas.


El luthier de koras Alieu Suso de Gambia.

El músico utiliza solo el dedo pulgar y el índice de ambas manos para pulsar las cuerdas de forma rítmica, mientras que los restantes dedos aseguran el instrumento por ambos lados de las cuerdas para mantener fijo.

Ostinatos ("Kumbeng") y solos improvisados ("Biriminting") pueden ser tocados al mismo tiempo por un músico experimentado.

Los músicos de kora, han provenido históricamente de familias de griots que pasan su arte a sus desendientes y también de las tribus mandinka.

Este instrumento se toca en Malí, Guinea, Senegal y en Gambia. Al interprete de kora tradicional se lo llama "Jali", lo que equivale a bardo o historiador oral.

Las koras tradicionales tienen 21 cuerdas, de las cuales 11 se tocan con la mano izquierda y 10 con la derecha. Por otra parte se pueden encontrar koras modernas, hechas en la region de Casamance al sur de Senegal, a las que se les agregaga hasta cuatro cuerdas de bajo.

Tradicionalmente, las cuerdas se hacían de finas tiras de cuero, por ejemplo de antilope. En la actualidad la mayoría de las koras utilizan cuerdas de arpa o tanza de pescar de nylon, las cuales a veces se trenzan para crear cuerdas más gruesas.

Este instrumento se afina desplazando anillos de cuero a lo largo del puente. A través de los mismo, un interprete de kora puede afinar el instrumento en una de las 4 escalas de siete notas. Estas son cercanas a las escalas mayor, menor, y lydian.[1 Wikipedia

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Kayagum

Kayagum (o gayageum) es una cítara tradicional de Corea. En su forma más tradicional tiene 12 cuerdas pero existen otros tamaños, uno con 18 cuerdas y uno con 25. Las cuerdas, generalmente de seda, van tendidas sobre unos puentes móviles.

Este instrumento se emplea tanto en música para solo -conocida como Kayagum Sanjo- hasta música en conjunto tanto en la música de la corte, tipos de música aristocrática, como también en algunos estilos regionales.

Las tres variedades de kayagum no solo cuentan con repertorio tradicional, sino que también aparecen es estilos modernos como música experimental -música contemporánea- como también incluso en música pop. Wikipedia

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El fado de Lisboa

Cantado típicamente en las "casas de fado", tanto por hombres como por mujeres. Las mejores casas de fado se encuentran en los barrios de Alfama, Mouraria, Bairro Alto y Madragoa. Tiene como característica fundamental el cantar con tristeza y con sentimientos de dolor pasados y presentes, pero también puede contar una historia divertida con ironía. Las ornamentaciones vocales y el dramatismo son semejantes a los de otros estilos mediterráneos. Su intérprete más conocida fue Amália Rodrigues. Wikipedia

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El fado de Coimbra

El fado tradicional de Coímbra, está conectado a las tradiciones académicas de la Universidad de Coímbra. Es exclusivamente cantado por hombres. Tanto los cantantes como los músicos visten de negro de capa y batina. Los temas hacen referencia a amores estudiantiles o a la ciudad. El estilo hace especial hincapié en el componente instrumental. El más conocido de los fados de Coimbra es "Coimbra é uma canção" ("Coimbra es una canción"), que tuvo un notable éxito en toda Europa. Wikipedia

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Fado 2

Suele mencionarse que la palabra fado viene del latín fas, fatum, sinónimo de "destino". De origen oscuro, surgió probablemente en la primera mitad del siglo XIX. Se acepta que en sus principios se hallaría una cierta variedad de canciones de salón brasileñas llamadas modinhas. Dado su origen como espectáculo tabernario son habituales los paralelismos con otros estilos relevantes en la misma época (tango, rebetiko y flamenco). Aunque protegido por las instituciones oficiales y cultivado como espectáculo turístico, la popularidad del fado es cada vez menor, entre otros erróneos motivos por ser asociado al tiempo de la dictadura salazarista. Con mayor frecuencia, muchas de las cuartetas empleadas son obra de reconocidos poetas del canon académico. Wikipedia

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Fado

El fado es la expresión más conocida internacionalmente de la música portuguesa reconocida mundialmente. En el fado se expresan los malos momentos de la vida a través del canto. Generalmente es cantado por una sola persona, acompañado por la viola, nombre con el que se conoce a la guitarra clásica, y guitarra portuguesa. Los temas más cantados en el fado son la melancolía, la nostalgia o pequeñas historias del diario vivir de los barrios humildes; pero especialmente la frustración y fatalismo.

Una de las mejores definiciones de fado nos la ofrece la propia Amália Rodrígues (1920-1999), considerada la mejor exponente de este género musical, en su canción Todo esto es fado: Wikipedia

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Variedades de la guitarra portuguesa

xisten tres variedades de guitarras portuguesa diferencias fácilmente por el acabado de los cabezales: de voluta o caracol (Lisboa), escultura (Oporto) y lágrima (Coímbra), si bien ésta última se afina una nota más grave. Wikipedia

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descripcion de la guitarra portuguesa

El instrumento está compuesto por una caja de resonancia con forma de pera, ligeramente convexa, con abertura circular y 12 cuerdas metálicas dispuestas por pares, cuyas tres primeras parejas (empezando por la más fina y aguda) comparten afinación y con las tres siguientes parejas afinadas con una octava de diferencia.

Las maderas habituales de construcción son nobles: palo santo, spruce y chopo en su interior. Wikipedia

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La guitarra portuguesa

La guitarra portuguesa, es un instrumento cordófono desarrollado en el siglo XVIII a partir de la guitarra inglesa y la cítara. Los primeros ejemplares fabricados en Portugal se le atribuyen al artesano Luis Cardoso Soares Sevilhano.[1]

Poco a poco acabaría sustituyendo a la viola como instrumento de acompañamiento del fado, canto típico portugués. Wikipedia

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Guitarra portuguesa

La guitarra portuguesa, es un instrumento cordófono desarrollado en el siglo XVIII a partir de la guitarra inglesa y la cítara. Los primeros ejemplares fabricados en Portugal se le atribuyen al artesano Luis Cardoso Soares Sevilhano.[1]

Poco a poco acabaría sustituyendo a la viola como instrumento de acompañamiento del fado, canto típico portugués. Wikipedia

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Guitarra de tres puentes

La guitarra de tres puentes o 3rd bridge guitarra es una guitarra preparada eléctrica con un tercer puente adicional por crear sobretonos. Puede ser una guitarra corriente con un objeto -por ejemplo, un destornillador- colocado debajo de las cuerdas, cumpliendo la función de puente. También puede ser una guitarra hecha para dicha finalidad.

Algunos músicos, insatisfechos con las limitaciones de la guitarra corriente, empezaron a crear instrumentos mejorando las posibilidades técnicas. El músico norteamericano Glenn Branca creó varios modelos primitivos -aunque efectivos- de 3rd bridge guitarra. Leo Fender, diseñador y productor de guitarras eléctricas, diseñó dos guitarras, la Fender Jaguar y la Fender Jazzmaster, y sin proponérselo había creado el mecanismo de una 3rd bridge en su puente flotante, con un limitado timbre a la hora de usar una técnica amplia. Cuando las cuerdas son tocadas en la parte posterior del puente se crea el sonido "3rd bridge".

Lee Ranaldo de Sonic Youth es conocido por usar la técnica del destornillador en sus guitarras. Confusion Is Sex contiene muchas canciones con el sonido producido por la "3rd-bridge". Otros ejemplos del uso de dicha técnica se encuentran en las introducciones de Bull in the Heather también perteneciente a Sonic Youth, y Good Morning Captain de Slint, canción del álbum Spiderland.

El fabricante experimental de instrumentos musicales Yuri Landman, fabricó la Moodswinger, una 3rd bridge guitarra de 12 cuerdas para Aaron Hemphill, componente de la banda Liars. Wikipedia

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Diseño del guitarron chileno

Está construido de madera y, como en la mayor parte de los cordófonos derivados del laúd y la vihuela, podemos distinguir cuatro secciones en su construcción:

  • Clavijero o pala. Pesado y muy largo, su tamaño le permitir dar sostén a 21 cuerdas con sus clavijas. A veces se adorna con tallados.
  • Mástil o mango. Más ancho que el de la guitarra, aloja por lo general 8 trastes. Hoy dispone de una entrastadura metálica pero en los modelos más antiguos era de tripa movible tal como se practicaba en el Renacimiento, es decir, varias cuerdas se torcían juntas y se hacían pasar por un par de muescas a cada lado del mástil, para luego atarse formando una trenza o chapecao en el dorso del mango.
  • Cuerpo o caja. En su construcción más tradicional la caja es de menor tamaño que la guitarra actual pero de mayor altura.[2] De forma avihuelada, ostenta una boca sencilla aunque algunos ejemplares muestran rosetones decorativos. Resulta llamativo el puente, que dispone de extensiones vistosas llamadas puñales que amplían su sustentación en la tapa. También son notables los clavijeros auxiliares a cada lado del mástil, que tensan cada uno un par de cuerdas agudas (diablitos).
Encordadura.


Encordadura vista en la boca del guitarrón
Está conformada por cuerdas metálicas o alambres y por cuerdas entorchadas o bordones. Tal como en los instrumentos europeos mencionados previamente, estas cuerdas se agrupan en órdenes u ordenanzas, aunque con mayor número de cuerdas por grupo. En el mástil se cuentan 5 órdenes de entre 3 y 6 cuerdas, cada orden afinado al unísono o en octavas. La afinación es en intervalos de cuarta salvo entre el II y III orden en que corresponde a una tercera. La característica más distintiva del guitarrón es la de los diablitos o tiples, cuatro cuerdas agudas dispuestas fuera del mástil, desde los clavijeros auxiliares de la caja hasta los costados del puente y que pueden hacer recordar a las tiorbas.[3 Wikipedia

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Generalidades del guitarron chileno

El guitarrón chileno es un cordófono de 25 cuerdas, cuyo origen quizá se remonte a las postrimerías del siglo XVI. Se lo utiliza para acompañar el Canto a lo Poeta,[1] junto al cual se ha desarrollado. Es el instrumento musical preferido de payadores y cantores a lo divino, seguido de la guitarra traspuesta y el rabel. Aunque su nombre pueda sugerir que se trata de un instrumento derivado de la guitarra, su diseño, afinación y modo de ejecutar lo emparentan más con los cordófonos renacentistas y barrocos, sobre todo con la vihuela y algo menos con los archilaúdes.

Para muchos éste es un instrumento genuinamente rural, aunque en los últimos años haya vivido una recuperación de su práctica y construcción en zonas urbanas.

Si bien se le usa mayormente para acompañar entonaciones de versos a lo humano y lo divino, sirve también como intérprete de cuecas, tonadas, valses y polcas. Su carácter solemne, su renombrada antigüedad y la belleza de los recursos sonoros que posee, lo han convertido con los años en un perfecto acompañante para actividades ceremoniales, llevándolo desde las ruedas de cantores hasta las Misas en que va apareciendo cada vez con más frecuencia. Wikipedia

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Guitarrón chileno

El guitarrón chileno es un instrumento musical de cuerda cuyo origen se remonta al menos a los comienzos del siglo XVII y que corresponde a uno de los instrumentos más representativos de la tradición musical chilena, en estrecha relación con el Canto a lo Divino. Wikipedia

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Guitarrón mexicano

El guitarrón mexicano es un instrumento musical de cuerdas inventado en México en el siglo XIX para tocar la sección de las notas más bajas en el mariachi. Recuerda por su forma y cordaje a la guitarra pero es más grande, ancho y con el mango proporcionalmente corto. Usa seis cuerdas, las cuales son de distinta afinación que las de la guitarra, y se toca usando dos de ellas a la vez para dar más fuerza y volumen al sonido. De este modo resulta tener una sola octava. El afinamiento de las cuerdas es una quinta abajo de las notas de la guitarra. Así por ejemplo:

La primer cuerda de la guitarra normalmente se afina en la nota mí. En el guitarrón, se afina en la nota la.

La segunda cuerda de la guitarra normalmente está en la nota sí; en el guitarrón estará en la nota mí.

Y así sucesivamente con la 4 cuerdas restantes.

El guitarrón fue inventado en substitución del arpa, encargada en tiempos remotos de proveer las notas más graves en el grupo musical, la cual no permitía al arpista mariachi (el ejecutante de arpa en una banda de música mariachi) moverse cómodamente entre el público como podían hacerlo los otros componentes de la banda para darle mayor versatilidad al grupo.Wikipedia

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Uso de piel de pitón

En 1988, China aprobó su ley de protección a especies en peligro de extinción, ratificando la convención CITES de la ONU, haciendo ilegal el uso y comercio sin permiso de pitones.[3] Para regular el uso de la piel de pitón, se introdujo un esquema de certificación para vendedores en el sureste de Asia y fabricadores de instrumentos en China. Desde el 1 de enero de 2005, las nuevas leyes requieren que los ehrus tengan un certificado indicando que no fue construido usando piel de pitones salvajes sino de pitones criados en granjas. Los viajeros pueden sacar hasta dos ehrus del país pero para propósitos comerciales se necesitan certificados de exportación. Wikipedia

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fabricaci{on del erhu

La mayoría de los ehrus se elaboran en masa en fábricas. Los tres principales centros de elaboración de ehrus son Pekín, Shanghái, y Suzhou. En el período colectivista que prosiguió al establecimiento de la República Popular China, estas fábricas se formaron fusionando lo que antes eran talleres privados. Aunque muchos ehrus se realizaban en líneas de producción, los de mayor calidad se elaboraban manualmente por artesanos especialistas.[1]

El ehru tiene ciertas características inusuales. La primera es que su sonido característico se produce por la vibración de piel de pitón. Segundo, no hay diapasón pues el intérprete presiona las cuerdas sin que éstas toquen el cuello. Tercero, el arco está sujeto al instrumento: las cuerdas del arco pasan entre las dos cuerdas del instrumento (a diferencia de los instrumentos occidentales donde el arco se coloca sobre las cuerdas). Por último, aunque hay dos cuerdas, éstas se encuentran muy cercanas y la mano las intepreta como si fueran una cuerda.

La cuerda interior (cercana al intérprete) se afina en Re mientras que la cuerda exterior se afina una quinta arriba, en La. La tesitura del instrumento alcanza tres octavas y media aunque el rango usual de intepretación es de dos octavas y media.

Durante el siglo XX se hicieron intentos de estandarizar y mejorar el erhu con el objetivo de producir un instrumento de sonido mejor y más potente. Uno de los cambios principales fue el uso de cuerdas de acero en vez de seda y para 1958 los intérpretes profesionales ya usaban ambas cuerdas de acero de forma común.[2 Wikipedia

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Los nombres de las partes del ehru

  • Qín tong (琴筒), caja de resonancia, puede ser hexagonal (liu jiao, southern), octagonal (ba jiao, northern), o infrecuentemente, redonda.
  • Qín pí/She pí (琴皮/蛇皮), piel, hecha de pitón, la cual le da al ehru su sonido característico.
  • Qín gan (琴杆), cuello
  • Qín tou (琴头), cabeza del cuello, usualmente una curva simple con una pieza de huezo o plástico en el extremo, pero ocasionalmente tallado con una cabeza de dragón chino.
  • Qín zhou (琴轴), clavijas de afinación, usualmente de madera aunque pueden ser mecánicas.
  • Qiān jin (千斤), nudo, hecho de cuerda.
  • Nèi xián (内弦), cuerda interior, usualmente afinada en Re4, la más cercana al intérprete.
  • Wai xián (外弦), cuerda exterior, usualmente afinada en La4.
  • Qín ma (琴码), puente, hecho de madera.
  • Gong (弓), arco, con tornillo para variar la presión.
  • Gong gan (弓杆), vara del arco, usualmente de bambú.
  • Gong máo (弓毛), cuerdas del arco, usualmente de caballo.
  • Qín diàn (琴垫), almohadilla, pieza de esponja, fieltro o tela colocada entre las cuerdas y la piel, bajo el puente, para mejorar el sonido.
  • Qín tuō (琴托), base, pieza de metal fija a la parte inferior del qín tong para proporcionar una superficie suave para descansar el ehru sobre la pierna. Wikipedia
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Construcción del erhu

El erhu consiste de un cuello formado por vara larga vertical en cuyo extremo se localizan dos clavijas para afinar y en la parte inferior una pequeña caja de resonancia cubierta con piel de pitón en el lado frontal. Se fijan dos cuerdas desde las clavijas hasta la base y un pequeño nudo de cuerda (qian jin) se coloca alrededor del cuello y las cuerdas funcionando como nudo que jala las cuerdas hacia la piel, manteniendo un pequeño puente de madera en su lugar.

En su realización se usan maderas pesadas, de acuerdo a referencias chinas estas materias pueden incluir zi tan (紫檀 sándalo y otras maderas del género Pterocarpus como el padauk), lao hong mu (老红木 madera roja añejada), wu mu (乌木 madera negra), and hong mu (红木 madera roja). Erhus particularmente finos son realizados de piezas de muebles viejos. Un ehru típico mide alrededor de 81 cm a lo largo, siendo también esa la medida del arco. Wikipedia

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Erhu históricos e instrumentos de arco y cuerda

as cítaras Chinas, incluyendo el xiqin, yazheng y el yaqin, así como el ajaeng coreano, se tocaban originalmente con una vara con colofonia, la cual creaba la fricción necesaria con la cuerda. Tan pronto como se inventó el arco de pelo de caballo, se extendió rápidamente su uso. Los pobladores de Asia central se encontraban a lo largo de la ruta de la seda por la cual bienes e innovaciones se extendieron rápidamente por toda Eurasia. Wikipedia

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Historia del erhu

La historia del erhu puede trazarse hasta los instrumentos introducidos a China hace más de mil años y se cree que evolucionó del xiqin (), descrito como un laúd de dos cuerdas extranjero en el Yue Shu (樂書, yuèshū, literalmente: libro de música), obra enciclopédica sobre música escrita por el teorista musical Chen Yang en la dinastía Song. Se cree que el xiqin procede de los (習) en Asia central y que llegó a China en el siglo X.


Erhu con liu jiao qin tong (cuerpo de seis lados).

El primer carácter del nombre del instrumento (, èr, dos) se cree que proviene del hecho que tiene dos cuerdas o del hecho que es el seguno huqin más alto en altura después del gaohu en la orquesta china. El segundo carácter (, ) indica que es miembro de la familia huquin, nombre que literalmente significa «instrumento bárbaro» y que el instrumento probablemente tiene su origen en las regiones norte u occidentales de China, habitadas por población no perteneciente a la etnia han. Wikipedia

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Erhu

El erhu (chino: 二胡, pinyin: èrhú), también llamado nanhu (南胡, "fiddle sureño"), y ocasionalmente denominado en occidente como «violín chino» o «fiddle chino de dos cuerdas» es un instrumento de cuerda frotada con dos cuerdas y que se toca con arco. Es el instrumento más popular en la familia huqin de instrumentos de cuerda frotada, al que pertenecen el zhonghu, gaohu, banhu, jinghu, sihu, y mucho Wikipedia

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Dulcémele

Para otros usos de este término, véase Dulcémele de los Apalaches.
Dulcémele
Dulcémele
Clasificación

Instrumento de cuerda percutida

Instrumentos relacionados

El dulcémele o dulcimer (del latín dulcis, dulce y el griego mélos, melodía) es un instrumento de cuerda percutida. Pertenece a la familia del salterio por su conformación dinámica.

Está compuesto de varias cuerdas de alambre dispuestas en grupos de dos a cinco por nota y distribuidas a lo largo de una caja de resonancia plana y con forma trapezoidal. Las cuerdas pasan sobre puentes que se encuentran acoplados a la caja armónica. Cada cuerda está equipada con una sordina controlada por un pedal. La tesitura del dulcémele es bastante amplia y va desde re2 a mi6.El sonido resulta al ser golpeadas por unos martillos ligeros que producen un sonido vibrante, seco y metálico. Existen variantes de disposición de escalas cromáticas y no cromáticas.

Es un antecesor del piano, aunque no posee teclas, y tiene su origen en Oriente Próximo, probablemente como el santur persa. En España fue conocido en el siglo XII y hacia 1800 había llegado a China, donde se lo llamó yangqin (cítara extranjera).

Este instrumento se encuentra en la música folclórica de toda Europa; como ejemplo sirven el hackbrett suizo, el cimbal checo y el santuori griego. A finales del siglo XIX, el dulcémele húngaro, el címbalo o cimbalom con mazos, dio lugar a un elaborado instrumento, totalmente cromático, con cuatro patas y un pedal de sordina como el piano. Se utiliza en la ópera de 1926 "Háry János", del compositor húngaro Zoltán Kodály Wikipedia

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Dobro

El dobro, guitarra resofónica o simplemente resonador es un instrumento de cuerda de la familia de los cordófonos similar en su apariencia a una guitarra, y de gran arraigo en el medio Oeste de Estados Unidos.

En esencia, el dobro es una guitarra acústica con la salvedad de que en la tapa anterior presenta un gran agujero circular, cubierto por un disco metálico (llamado resonador) de la misma forma y que queda flotante sobre el orificio gracias a que está sujeto únicamente por el puente. Esto hace que la vibración de las cuerdas haga oscilar el resonador con lo que se consigue un cambio del volumen de la caja de resonancia, produciendo un sonido único y característico, además de un cierto tono metálico que recuerda a la steel guitar. Debajo del resonador hay una estructura de conos superpuestos que amplifica el sonido proyectándolo hacia fuera a través de los orificios que tiene practicados el resonador. El sonido resultante sorprende debido al gran volumen conseguido con un relativamente pequeño tamaño de la caja de resonancia. La caja puede ser metálica o de madera. Hay dobros para ser tocados de forma tradicional, o bien horizontalmente, a modo de la guitarra de regazo.

El dobro fue inventado en 1925 por John Dopyera, que fundó en 1929 una empresa junto con sus hermanos para su fabricación en serie llamada Dopyera Brothers, y abreviada como Do.Bros. Esta marca comercial abreviada, que aparecía en el clavijero de los instrumentos acabó por dar nombre al instrumento.

Tras caer en desuso durante décadas, el dobro fue redescubierto de un modo bastante uniforme y repentino a principios de la década de 1980.

El dobro se utiliza con gran difusión en la música blues y bluegrass, con cierta penetración en el country. Además, músicos como Mark Knopfler y Enrique Bunbury se han encargado de su introducción en otros géneros musicales como el rock.Wikipedia

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Tmple 2

En resumen, mientras el mercado no se estabilice y sobretodo hasta que no haya ventas suficientes, a las pocas marcas que existen no les interesa investigar el tema. Por nuestra parte, con el tiempo tenemos la esperanza de poder cumplir este requisito, pero debido a las grandes cantidades de cuerdas necesarias en cada pedido, se hace un poco dificil amortizar la inversión en nuevos juegos especiales.

Como muestra un botón, y aquí van los calibres empleados por algunos constructores según la longitud de escala de cada timple:

Timple soprano: los timples clásicos con longitudes de escala de menos de 38 cm, con juegos de cuerdas de cualquier marca tienen muy poca tensión cuando se afinan en Re, tal vez agradecerían afinar un tono o medio tono más agudo. 1ª y 4ª nylon 0,55 mm / 2ª y 5ª nylon 0,65 mm / 3ª nylon 0,75-0,77 mm y algunas personas cuerdas entorchadas de nylon.

Timple de concierto: timples con longitudes de escala de 39 cm, con juegos de cuerdas de cualquier marca tienen una tensión buena en Re. 1ª y 4ª nylon 0,55 mm / 2ª y 5ª nylon 0,65 mm / 3ª nylon 0,75-0,77 mm y algunas personas cuerdas entorchadas de nylon. En los timples de escala 41 cm, se debe pensar que es como si añadiéramos un traste más en el tado de la pala, por lo tanto la sensación de tensión afinado en Re es la misma que si afináramos un timple de concierto medio tono más agudo; en resumen con las mismas cuerdas afinando en Re obtenemos una tensión alta.


Timple tenor: algunos timples modernos con longitudes de escala de 43 cm, con juegos de cuerdas de cualquier marca tienen muchísima tensión cuando se afinan en Re, y la recomendación es afinarlos un tono más grave. 1ª y 4ª nylon 0,55 mm / 2ª y 5ª nylon 0,65 mm / 3ª nylon 0,75-0,77 mm y algunas personas cuerdas entorchadas de nylon. En este caso, desde Rivero estamos investigando unos nuevos calibres que harían este timple afinable en Re con una tensión media, siendo el instrumento ideal para punteo.


Timple barítono: Muy de moda desde hace unos años por su sonido grave y potente, en estos instrumentos hay longitudes de escala tan dispares como 45 (Agrícola), 46.2 (Kiman) y 48 (Fariña). La intención de todos estos instrumentos es acompañar y llenar un hueco existente entre el timple y la guitarra, siendo el rango similar a la vihuela mexicana. Normalmente afinados en La, en los dos primeros casos se recomienda 1ª y 4ª primera de guitarra/ 2ª y 5ª segunda de guitarra / 3ª tercera de guitarra; y es la encordadura lógica si se tiene en cuenta que el 5º traste de una guitarra es una nota La en la primera cuerda y se corresponde más o menos con 46 cm de escala. En el caso de 48 cm, Fariña me ha confesado que utiliza 1ª y 4ª nylon 0,65/ 2ª y 5ª primera de guitarra entorchada / 3ª segunda de guitarra entorchada. Wikipedia

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Timple

El timple es un instrumento musical de cuerdas típico y originario de las Islas Canarias. Al estilo de otros instrumentos de cuerda, especialmente de Suramérica y Caribe, a modo del "Cuatro" venezolano, el timple posee unas dimensiones reducidas, de unos 38-40 centímetros apróximadamente. Generalmente son de cinco cuerdas, si bien en algunos casos de cuatro cuerdas. La caja de resonancia estrecha y abombada por debajo denominada joroba, y que le recibir al instrumento la denominación de "camellito sonoro". La afinación del timple puede ser variante dependiendo de para qué se use y quién sea el intérprete, pero la afinación más usada del instrumento es RE, LA, MI, DO, SOL.

Tiene un origen incierto, con diversas influencias europeas y americanas. En la actualidad está presente en todas las Islas Canarias, siendo parte integrante esencial de las agrupaciones del Archipiélago, si bien históricamente ha tenido un uso más extendido en las islas occdidentales de Gran Canaria, Fuerteventura y Lanzarote, siendo menos utilizado en las restantes y casi desconocido en las islas de El Hierro y La Gomera (que mantuvieron los instrumentos musicales más ancestrales como son el pito, la chácara y el tambor).

En sus inicios era un instrumento de acompañamiento para los grupos de tocadores, si bien, su especial sonoridad y forma muy particular de rasgado, le ha configurado una importancia propia hoy en dia. En la actualidad se utiliza en todo tipo de formaciones musicales para interpretar desde música barroca a música contemporánea pasando por el jazz o el pop y las tunas.

Existen numerosos timplistas de reconocido prestigio en Canarias, y fuera de Canarias, si bien los más destacados son Alguno de sus intérpretes más conocidos son Totoyo Millares por su larga trayectoria de difusión del timple, junto a tres grandes figuras del timple actual como son José Antonio Ramos, timplista de Gran Canaria más importante de la historia reciente de Canarias y fallecido en 2009, el majorero Domingo Rodríguez Oramas "El Colorao" y lanzaroteño Benito Cabrera. Otras jóvenes promesas del timple canario son Beselch Rodríguez, Yone Rodríguez, Pedro Izquierdo, Germán López, Abraham Ramos Chodo y Abraham Ramos Sanchez.

La fabricación del timple es artesanal, existiendo afamados artesanos timplistas, cuyas producciones son especialmente demandadas para las agrupaciones folclóricas y timplistas profesionales, principalmente afincados en las islas de Gran Canaria y Lanzarote, entre los que se encuentran Francisco Fariña, Carlos Felix, Francisco de Rosa, Kima, David Sanchez, Rijó, Quiquí, Vicente Corujo ,etc.

Existe una amplia literatura sobre el timple, especialmente de métodos de enseñanza, realizados principalmente por profesores de música, si bien los principales timplistas han realizado sus propias publicaciones (Ramos, El Colorao, Cabrera,...). Tambien existe publiciones de partituras, así como de investigación histórica del instrumento canario.

Hoy en dia ha tenido gran aceptación entre los músicos profesionales y orquestas, iniciándose su expansión internacional, especialmente por América, con la especialidad de su sonido. Se encuentra en trámites su aprobación para la enseñanza oficial en los Conservatorios de Música de Canarias.

Aunque tradicionalmente a todos los instrumentos derivados del timple original de 5 cuerdas y longitud de escala soprano, se les ha llamado timple; en los últimos años la proliferación de diferentes longitudes de escala disponibles a complicado la situación un poco. Para liarlo más, los luthiers no se ponen de acuerdo en unas medidas "estándar" para la longitud de escala o tiro, sino que cada cual utiliza una medida que considera apropiada. Realmente el problema radica en la falta de elección de cuerdas para timple que permitan encordar el mismo instrumento con varias tensiones a gusto del músico. Así por ejemplo un constructor considera que una escala de 38,5 cm está bien para un timple de concierto porque tiene una tensión media a la hora de tocar, mientras que otros llegan a 39 cm para conseguir más tensión en las cuerdas y facilitar el punteo al músico. En algunos casos se ven timples de 41 cm que al ser afinados en Re adquieren una tensión de cuerdas significativa y mut apreciada por músicos como "El Colorao".Wikipedia

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Jarana jarocha

La jarana jarocha es un instrumento utilizado en el Son jarocho, originario de Veracruz, México. Dentro del conjunto jarocho lleva la armonía y se ejecuta con rasgueos sincopados. Existe en una gran variedad de tamaños y registros, lo que permite enriquecer el timbre del grupo. Por sus dimensiones se clasifican en: jarana tercera de 80-100 cm , segunda (70-80 cm), primera (55-70 cm), mosquito (menor de 50 cm) y por último la más pequeña, llamada chaquiste, de unos 30-40 cm. La encordadura está compuesta por cinco órdenes de cuerdas de los cuales los tres centrales son dobles. Tradicionalmente se construye a partir de una pieza única de cedro rojo a la que se le agregan la tapa, el puente y la cubierta del diapasón.

Existen varias afinaciones. La más popular es la llamada por cuatro en diversos tonos (sol-do-mi-la-sol, do-fa-la-re-do y re-sol-si-mi-re - aunque la octava en la que están las notas cambia dependiendo del tamaño de la jarana -). Las cuerdas dobles pueden ser octavadas o unísonos. Otras afinaciones son variación, moderna, por bandola y chinanteco.

Los orígenes de la jarana se encuentran probablemente en la vihuela y en la guitarra barroca con quienes comparte la forma y la sonoridad.

Antes de un resurgimiento de la música jarocha en los años noventa del siglo pasado y de su popularización en la Ciudad de México, algunos grupos de rock o rap mexicanos y californianos, como Café Tacuba o Caifanes, han incluido la jarana en varias grabaciones. Wikipedia

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Jarana huasteca

La jarana huasteca, jarana de son huasteco or jarana es un instrumento de cuerda. Es un cordófono con forma de guitarra, con 5 cuerdas. Es más pequeña que la guitarra huapanguera y usualmente forma parte del conjunto huasteco, junto con la huapanguera y el violín, tomando el rol de acompañamiento rítmico. Este tipo de guitarra es afinada en intervalos de tercera en una escala más alta que la guitarra huapanguera, siendo una afinación común la de las notas sol, si, re, fa sostenido y la. Wikipedia

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Afinación del tres

Su afinación varía dependiendo del intrumentista y la zona geográfica de donde proceda. A veces es coincidente con la afinación de las tres primeras cuerdas de la guitarra (mi,si, sol, este último octavado), otras se le aumenta un semitono al par de cuerdas del medio, quedando la afinación como mi,do y sol (octavado) , es decir sonando la triada de do mayor al aire. También se utiliza la afinación con la triada de Re mayor (D), es decir Fa sostenido, Re y La ,esta última a octava.

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Tres cubano

El tres es un instrumento musical muy usado en Cuba, Puerto Rico y Santo Domingo derivado de la guitarra que consta de tres órdenes de cuerdas dobles. Hay un tres portorriqueño de cuerdas triples. Son octavadas en por lo menos un orden. Wikipedia

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Cuatro venezolano

El cuatro venezolano, también conocido como cuatro llanero o cuatro tradicional, se usa en la ejecución de ritmos venezolanos entre los que más se destacan: el orquídea, el joropo, el merengue venezolano, la gaita de furro, la parranda central, el vals y el aguinaldo. El cuatro es parte inseparable de los conjuntos típicos de música llanera, junto con el arpa llanera (o bandola, según el caso) y las maracas. También se utilizaba como acompañamiento de canciones de ordeño que fue lo que dio origen a la tonada venezolana. Suele tener una función de acompañamiento, aunque también puede ocupar un puesto de solista, como instrumento de concierto, en algunos casos (por lo general, fuera del ámbito de la ya mencionada música llanera).

Normalmente se toca rasgueando las cuerdas con la mano derecha y haciendo los acordes con la mano izquierda. La afinación estándar no permite muchas salidas de este esquema, por lo que a veces es necesario cambiar la afinación para llegar a nuevas posibilidades melódicas, como en el caso del cuatro solista.

Algunos intérpretes destacados por su virtuosismo y desarrollo en el instrumento son Fredy Reina, Hernán Gamboa y Cheo Hurtado. También encontramos cantantes que han hecho del y para el cuatro un punto de referencia -y parte casi inseparable en ocasiones- en sus carreras artísticas, entre ellos podemos citar a Simón Díaz, Alí Primera, Gualberto Ibarreto y más recientemente El Pollo Brito. Sin dejar por fuera algunas agrupaciones emblemáticas como Serenata Guayanesa, el Quinteto Contrapunto, Ensamble Gurrufío ,El Cuarteto y recientemente C4 Trio.Wikiopedia

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Cuatro puertorriqueño

El cuatro de Puerto Rico, aunque pueda parecer contradictorio, consta de cinco órdenes, es decir cinco cuerdas dobles. El instrumento conserva su nombre debido a que, en sus orígenes, tenia cuatro órdenes o cuerdas dobles. El cuatro puertorriqueño guarda cierto parentesco con la vihuela española. Su afinación coincide con la del bajo (sol, re, la, mi) añadiendo un si grave por debajo del mi.

Este instrumento ha tenido a lo largo de su historia destacados interpretes como Yomo Toro, Ernie Miranda y Pedro Guzmán. Wikipedia

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Orígenes del cuatro

Tiene sus orígenes muy remotos. Instrumentos similares aparecen en grabados Iraníes y Cretenses en forma ovoidal y cuadrado. En el año 3.000& A.C., se encuentran instrumentos parecidos en Egipto, derivados de instrumentos caldeo-asirios.

El laúd árabe o thimphle, a través de las invasiones moras, llega a España a comienzos del siglo XVI con cuatro órdenes, donde fue adoptando una nueva forma menos ovalada y más parecida a la actual, en forma de «ocho». Posteriormente , el Maestro Salinas -Maestro de capilla de los Reyes Católicos- le añade la quinta cuerda y, Vicente Espinel -quien estableció la forma estrófica actual de la décima- le agrega la sexta cuerda a comienzos del siglo XVII (conocida como bordon o espinela) dando origen a la guitarra.

El laúd llegó a las Islas Canarias, hasta transformarse en el timple . Este se exportaría a America y el Caribe con la Conquista de América, dando lugar, muchos años más tarde, a las versiónes conocidas hoy en día en sudamérica. El cuatro puertoriqueño, sin embargo, guarda más parecido con su antecesor el laúd que con el timple de Canarias. Wikipedia

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Partes del Cuatro

• Cabeza: Es una pieza de madera incrustada al diapasón de la cabeza y es donde van colocadas las clavijas.

• Diapasón: pequeña horquilla de dos puntas utilizada por los músicos para obtener, al golpearla, un sonido o tono fijo con el que se afinan los instrumentos. Se fabrica con una aleación de cromo, níquel y acero.

• Caja armónica: Parte exterior de madera que cubre algunos instrumentos; cuerpo hueco de madera que forma parte principal de los instrumentos de cuerda.

• Clavija: Pieza pequeña de madera o metal que se utiliza para tensar las cuerdas de un instrumento musical. Apretar las clavijas, reprenderle o exigirle con severidad el cumplimiento de su deber.

• Cejuela: Pieza de madera o hueso que separa el diapasón de la cabeza y es donde encajan las cuerdas del instrumento.

• Traste: Es una serie de divisiones formadas por piezas lineales ya sea de metal o de madera y al espacio que existe entre una y otra división se llama traste.

• Barras: son las divisiones perpendiculares a las cuerdas que se encuentran en el diapasón del cuatro generalmente son de metal y separan a los trastes.

• Tapa: Pieza que cierra por la parte superior al cuatro.

• Boca: es la abertura u orificio del cuatro para reflejar o aumentar el sonido.

• Cuerdas: Hilo hecho de tripa de carnero, a veces envuelta por alambre en hélice, que, por vibración, produce los sonidos en ciertos instrumentos músicos, que en la actualidad se fabrican de nylon

• Puente: tablilla que mantiene levantadas las cuerdas del cuatro y de otros instrumentos de cuerda[1 Wikipedia

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construccion del cuatro

Los materiales utilizados para la construcción de este instrumento son básicamente madera para la caja y el cuello, metal para los trastes y clavijas y nylon (o metal) para las cuerdas. Las maderas pueden variar en cuanto a su calidad, comenzando por el cedrillo, pasando por el cedro y la caoba. Como todo instrumento, existen ejemplares de acabado artístico que sólo son hechos por encargo y con las maderas más finas. Inclusive, se ha llegado a experimentar la fabricación de cuatros usando resinas plásticas, acrílico y fibra de vidrio, pero éstos no son comunes en el comercio.

Hay varios tipos de cuatro, por ejemplo el de Puerto Rico que tiene diez cuerdas metálicas y cinco órdenes afinadas de forma ascendente, el de Venezuela tiene cuatro cuerdas de nylon e igual número de órdenes de afinación no totalmente ascendente. Hay otro tipo que se usa en Trinidad y Tobago hecho por Marcela Piedrahita. Wikipedia

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Cuatro


El cuatro es un instrumento de la familia de la guitarra. Se utiliza en toda Latinoamérica, pero adquiere un papel relevante en los conjuntos musicales de países como México, Colombia, Venezuela y Puerto Rico, en donde forma parte del folclore y acompaña los bailes y canciones populares. Wikipedia

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clavecin

Su estructura básica es uno o dos teclados o manuales, en los cuales, al presionar cada tecla, una púa de pluma de ganso, de cuervo o cóndor (llamada plectro), que se encuentra en una pequeña estructura de madera llamada martinete o saltador, eleva la cuerda correspondiente, punzándola. Esto produce un sonido determinado (nota). El volumen del instrumento no varía, al menos perceptiblemente, según sus teclas se opriman suave o fuertemente, sólo se consigue un cambio de volumen agregando registros o acoplándolos. El arte de ornamentar una línea melódica permite también sugerir efectos dinámicos.

El clave, muy conocido y utilizado durante el Barroco, fue cayendo en el olvido, y la mayoría de las piezas escritas para él empezaron a ser interpretadas en el nuevo pianoforte, antepasado de nuestro piano moderno. Como su nombre indica, éste permite cambios de volumen con sólo variar la intensidad de pulsación de las teclas.

A fines del siglo XIX y principios del siglo XX, el instrumento fue revivido, en parte, gracias a la pianista y clavecinista Wanda Landowska, quien fue la primera profesora del instrumento en tiempos modernos (en la ciudad de Berlín), y no sólo interpretó antiguas obras escritas para el instrumento, sino que también encargó obras nuevas a diferentes autores, entre ellos el compositor español Manuel de Falla.

Landowska no se interesó en el sonido de los claves antiguos, sino que propició la construcción de claves modernos, con estructuras derivadas de la construcción del piano.

Con los excelentes progresos de restauración y fabricación de copias de los instrumentos antiguos (como en el caso de Frank Hubbard), desde hace más de cuarenta años ha resurgido el interés por el clave histórico. La claridad de su timbre y exquisita riqueza en armónicos lo hacen irremplazable para la ejecución de música polifónica.

El clave tiene variantes más pequeñas, como la espineta y el virginal, que no deben confundirse con el clavicordio (en inglés clavichord). Wikipedia

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martes, 29 de junio de 2010

Espineta

La espineta es un instrumento de cuerda pulsada (como la guitarra, el arpa o el clavicordio , y no golpeadas como sucede con el piano) con teclado. Es muy parecido al clave pero de tamaño más pequeño y a veces con forma de ala de pájaro.

Al igual que en el clave, a cada orden (tecla) le corresponde una sola cuerda. Su mecanismo consistía en una serie de palancas verticales provistas de plectros (puntas de pluma), las cuales pulsaban las cuerdas bajo la presión de los dedos sobre las teclas. Las cuerdas son cortas y dispuestas en diagonal dentro de la caja.

La espineta lleva su nombre del constructor italiano Giovanni Spinetti, que residía en Venecia durante la segunda mitad del 1400 y que fue uno de los primeros fabricantes (ya que se conocen instrumentos parecidos en Italia en el 1300). Su máximo esplendor se sitúa en el 1500 y el 1600. Existen espinetas de dos teclados, que se colocan uno sobresaliendo por debajo del otro (como en el órgano).

Es el instrumento con el que el compositor italiano Giuseppe Verdi se inició en la música. Wikipedia

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Claviórgano

El claviórgano es un instrumento musical, utilizado especialmente entre los siglos XV y XVIII , que nace de la combinación de un clavicémbalo (o incluso un clavicordio, una espineta o, más tarde, un piano) con un pequeño órgano. Parte del mecanismo coincide con el del clave y otra parte con el del órgano, soliendo estar ambos instrumentos superpuestos y conectados mediante un particular mecanismo. La primera descripción del instrumento se remonta a 1460, mientras que la palabra "claviorgano" al parecer apareció por primera vez en 1480. El ejemplar más antiguo de claviórgano encontrado hasta el momento, conservado en la Victoria and Albert Museum, fue construido en 1579,en Inglaterra, flamenco Ludowijk Theewes. En la actualidad hay muy pocos fabricantes de instrumentos que construyan claviórganos; un claviórgano fue construido especialmente para el "Festival Internacional de Claviórgano" de Foligno, producido conjuntamente por las marcas Barucchieri de Castiglion Fiorentino (parte constituida por el clave) y Pinchi (parte constituida por el órgano), siendo las dos partes conectadas mediante un dispositivo de titanio. Wikipedia

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Claveciterio

El claveciterio (del latín clavicytherium) es un instrumento musical de tecla y cuerda punteada, cuya caja acústica, aliforme, al igual que la del clavecín está situada verticalmente. Fundamentalmente, se trata de un clave vertical.Un mecanismo de palancas, dispuestas en forma de Z, accionaba los martinetes ubicados de forma vertical con respecto al teclado; dichos martinetes pulsaban las cuerdas por la parte inferior.

Los primeros modelos de este instrumento datan de finales del siglo XV,[1] aunque se nombre no se registra hasta 1511 en el tratado de Sebastian Virdung. Un siglo después, en 1619, Michael Praetorius habla de un claveciterio considerablemente evolucionado con respecto al ejemplar de Virdung, y en su obra Theatrum instrumentorum de 1620 aparece más esbelto. Athanasius Kircher muestra otro claveciterio en 1650, aunque con una base de mayor tamaño. A finales del siglo XVI la mayoría de los claveciterios poseían cuerda doble. Una de las principales ventajas de este instrumento era el ahorro de espacio, por lo que su principal destino fue la música doméstica.

La disposición que presenta la caja armónica es un antecedente del piano girafe o piano pyramidal, cuyos modelos tuvieron su época de esplendor a partir de la última década del siglo XVIII y principios del siguiente. Este instrumento renacentista tuvo una pronta implantación en toda Europa y fueron numerosos los artesanos que se dedicaron a la construcción de este instrumento. Uno de los modelos más conocidos de este clave vertical se debe a l francés Albert Delin, que se dedicó en su taller de Tournai a la fabricación de estos instrumentos; se conserva en el Museo Instrumental de Bruselas y está fechado en 1751.

Un instrumento análogo al claveciterio, ideado a mediados del siglo XVIII en Polonia, fue denominado colison. Wikipedia

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Archicémbalo

Estaba formado por seis teclados que dividían la octava en 31 grados, y de acuerdo con la teoría musical griega, poseía los géneros diatónico, cromático y enarmónico. Para su ejecución, el intérprete debía permanecer en pie para poder llegar bien a todos los teclados.

[editar] Historia

El archicémbalo fue inventado por Nicolà Vicentino, maestro de capilla de la corte de Ferrara, quien describió su invento en su obra L'antica musica ridotta alla moderna prattica (1555). Pietro Cerone señaló que << el archicémbalo es un instrumento que por primera vez espanta a cualquiera [sic] eminente organista, por una tan grande cantidad de cuerdas y también tan grande número de semitonos; y se pierde de tal manera que queda abobado y no sabe que hazer [sic]. Pero nunca se sintió tan acabada Harmonía [sic] , sino cuando el señor Luzzasco Luzzaschi lo tanía con toda excelencia; concertando en algunas composiciones hechas a tal fin>>.

Este gran clavecín atrajo años después la atención de Giovanni Battista Doni, inventor de la lira barberina. Doni, que redactó su valioso Compendio dell trattato dei generi e dei modi della musica, simplificó el invento de Vicentino, reduciéndolo a tres teclados.

Casi contemporánemente a Doni, otro teórico, Fabio Colonna, ideó un archicémbalo capaz de dividir la octava en 17 partes, al que llamó pentekontachordon (que literalmente significa "cincuenta cuerdas" en griego).

Sin embargo, Vicentino también tuvo sus detractores, siendo el más destacado el teórico portugués Vicente Lusitano; éste, mientras se hallaba en la capilla vaticana de Roma en 1551, mantuvo una fuerte controversia con el inventor de los seis teclados, al que juzgaba de artificioso. Lusitano estimaba una reglas más simples y sobre todo más prácticas. Dos años después dio a conocer la Introduttione facilissima e novissima di canto fermo, contrapunto semplice e in concreto con regole per fare fughe. Athanasius Kircher, de espíritu cientifista, dedicó un capítulo de su tratado De abaco phanharmonico Nicolai Vicentini (1650) a dicho instrumento. Wikipedia

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