martes, 29 de junio de 2010

La decadencia y el olvido: el clasicismo y el siglo XIX (1750-1912)

En la segunda mitad del siglo XVIII, después de la muerte de Rameau, Bach, Händel y Scarlatti entre 1750 y 1764, la música destinada al clave sufre una rápida decadencia pues los compositores están cada vez más interesados con el nuevo pianoforte. Fascinados con las posibilidades del nuevo instrumento, el clave será totalmente remplazado entre 1775 y 1790 por primitivo piano, aunque en este periodo, y durante algunas décadas, la música compuesta para el pianoforte también era interpretada en el clave, o a la inversa, indistintamente.

Entre los períodos del barroco y el clasicismo son los dos hijos mayores de Johann Sebastian Bach los más sobresalientes compositores de música para el clave: Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), y sobre todo Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788).

Otros compositores del clave clásico, son los ingleses Thomas Augustine Arne (1710-1778), William Boyce (1711-1779) y el español Antonio Soler (1728-1783). La escuela francesa del clave, que tuvo su apogeo con Rameau y Couperin entre 1706 y 1748 declinará hasta su desaparición tras la Revolución francesa a partir de 1789 y la imposición del nuevo estilo romántico y el piano.

Mozart y Haydn, que aunque en sus primeros años destinaban sus obras al clave y al pianoforte sin distinción alguna adoptaron en su etapa de madurez el nuevo instrumento.

A partir de 1790, los compositores dejan totalmente de componer para el antiguo clave, cayendo en desuso hasta el siglo XX. El renacimiento del instrumento se produce gracias a la figura de la clavecinista Wanda Landowska, que recupera el interés por el clavicémbalo en la música contemporánea. Wikipedia

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Clavecín España y Portugal

La música para clave en la Península Ibérica tiene un hito importante en la llegada de Domenico Scarlatti, compositor y clavecinista napolitano, a la corte lisboeta de la princesa portuguesa Bárbara de Braganza como maestro de música y teclado en 1721. Cinco años más tarde, tras el matrimonio de su alumna con el futuro rey de España Fernando VI, se traslada a Sevilla, donde escuchó los aires populares andaluces que tanto influyeron en su música, y posteriormente a la corte de Madrid, donde murió en 1757.

En estos más de treinta y cinco años, Scarlatti desarrolló un estilo profundamente influido por las tonalidades y modos andalusíes y por el ritmo vivo de los rasgueos de guitarra o las castañuelas en las más de quinientas sonatas bipartitas que compuso para el clavicémbalo y que supusieron un monumento capital de la música española e influyó en la escuela de clavecinistas ibéricos contemporáneos y posteriores.

Así, se pueden observar concomitancias en la figura principal del clave lusitano del siglo XVIII, Carlos Seixas, nacido en Coímbra y organista de la Catedral de Lisboa. Poco más tarde fue ascendido a vicemaestre de la Capilla Real, cuyo titular era Doménico Scarlatti, y a cuyo contacto se debe la influencia del clavecinista italo-español.

Al lado de Scarlatti en la corte española trabajó el maestro de clave de Fernando VI, Sebastián de Albero. Se trata de un clavecinista vigoroso y vanguardista que, sin embargo, dejó poca obra debido en parte a que no fue publicada o conservada y a su pronta muerte a los treinta y cuatro años.

La segunda mitad del siglo dieciocho está ocupada por la imponente figura del Padre Soler. Nacido en Olot, pronto obtuvo el cargo de organista y director del coro del monasterio de San Lorenzo de El Escorial, donde entabló contacto con Scarlatti y otros clavecinistas españoles como José de Nebra. Su música, que ya preludia el clasicismo, se diversificó en conjuntos instrumentales y corales, con obras sacras y profanas en las que mostro una prolífica maestría. Wikipedia

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jueves, 13 de agosto de 2009

La bossa nova

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es un género musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Rio de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo ". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de Saudade de Bahia y Rosa Morena interpretada por Dorival Caymmi, de "Chega de Saudade" interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes, tres de los principales exponentes de este género en Brasil.

domingo, 9 de agosto de 2009

Tipos de flauta

Las formas predominantes de la flauta (desde el aspecto de la música académica), son la travesera o traversa y la flauta dulce. También existen otros tipos de flauta de diferentes culturas, entre las cuales se pueden destacar:
aulos (antigua Grecia)
bansuri (norte de la India)
carrizo (Venezuela)
clarinete (varias partes)
flauta de pan (varios tubos paralelos; de origen mitológico griego. En algunas partes de Sudamérica se conoce como zampoña o sicu)
flauta travesera barroca (europea, utilizada para la denominada "interpretación histórica")

Flauta travesera
flauta travesera celta (Irlanda)
gaita (Colombia). No tiene relación con las gaitas irlandesas, asturianas o gallegas; con éstas sólo comparte el nombre.
ney (de Persia y Egipto, quizás la flauta más antigua que aún posee ejecutantes).
ocarina (en varias partes del mundo)
píccolo o flautín (en italiano ‘pequeño’, flauta minúscula de metal o de plástico)
quena (en las culturas incaicas de Sudamérica)
tin y low whistle (Irlanda)
shakuhachi (Japón)
suling (Indonesia/Filipinas)
venu (sur de la India)
zampoña (formada por una doble hilera de tubos paralelos, de Bolivia, Perú y norte de Argentina y Chile; también llamada sicu, antara y siringa).
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Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi escribió tres conciertos para "flautino", un instrumento que se pensaba correspondía al piccolo. Actualmente se acepta que realmente se trataba de la flauta dulce sopranino. Sin embargo, en uno de los manuscritos de estos conciertos se puede leer la indicación "strumenti alla quarta bassa", hecho que ha llevado a formular la hipótesis de que en realidad el instrumento pensado por Vivaldi para estos conciertos era la flauta dulce soprano. Esta suposición está avalada por la muy escasa presencia de la flauta dulce sopranino en el Barroco tardío y varias referencias al "flauto piccolo" o "flautino" indicando la flauta soprano en re o en do
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siglo XVII

En el siglo XVII se produjeron varios cambios en la construcción del instrumento, resultando en lo que se conoce como "flauta dulce barroca". Las innovaciones permitieron una tesitura de dos octavas cromáticas y la obtención de un timbre más "dulce" que los modelos anteriores. Durante el siglo XVII, en forma algo confusa, el instrumento es a menudo referenciado simplemente como "flauta" (flauto en italiano), mientras que la flauta travesera es llamada "traverso". Para esta flauta dulce escribió J. S. Bach su 4º Concierto brandeburgués en Sol mayor, a pesar de que Thurston Dart sugirió erróneamente que fue escrito para flageolets. En realidad, Bach compuso esta obra para dos "flauti d'echo", o flautas de eco, un ejemplo de las cuales sobrevive hasta hoy en Leipzig. Consiste en dos flautas dulces en fa, conectadas por pestañas de cuero, de forma que una de ellas se usa para tocar "forte" , la otra "piano".
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Edad Media

El sonido de la flauta traversa es asimilado con dioses, "una nota de ésta es capaz de calmar al mundo", fue una de las frases más escuchadas durante la Edad Media
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