Beethoven había entablado contacto con el inventor Johann Mäzel, que le construyó varios instrumentos para ayudarlo con sus dificultades auditivas, como cornetas acústicas o un sistema para escuchar el piano. Su obra orquestal La victoria de Wellington fue compuesta en 1813 para ser interpretada con un panarmónico, otro de los inventos de Mäzel. Esta obra era un homenaje a la victoria sobre los ejércitos napoleónicos en la Batalla de Vitoria por parte del Duque de Wellington y alcanzó gran popularidad, además de volver verdaderamente famoso al compositor, lo que le procuró grandes ingresos. Sin embargo, él mismo la calificó como «basura» (no diría algo así de ninguna otra obra suya) y hoy está completamente olvidada. El invento de Mäzel que más impresionó al compositor fue el metrónomo y escribió cartas de recomendación a editores y comenzó a realizar anotaciones en las partituras con los tiempos del metrónomo para que sus obras se interpretaran como él las había concebido. En esa época comenzaron los problemas económicos del compositor, ya que uno de sus mecenas, el príncipe Lobkowitz, sufrió una quiebra económica y el príncipe Kinsky falleció al caerse de su caballo y sus herederos decidieron no pagar las obligaciones financieras que el príncipe había contraído con el músico
miércoles, 29 de diciembre de 2010
Elisabeth von Arnim
Según Elisabeth von Arnim, el mismo Beethoven le habría contado esta anécdota. Sin embargo, su veracidad es muy discutida y hoy existe un cierto acuerdo en considerarla, si no por completo, al menos en buena parte invento de Elisabeth. En su carta a von Pückler-Muskau, le pregunta si le gusta la historia, «Kannst du sie brauchen?» («¿Puedes utilizarla?»). Von Arnim, sin embargo, decide utilizarla ella misma y en 1839 publicó, en la revista Athenäum una carta, supuestamente de Beethoven, en la que éste contaba la anécdota. El original de esta carta no apareció nunca, sólo la copia, y algunos detalles (como la fecha) indican que Beethoven no la escribió nunca, o al menos no tal como fue transcrita. Independientemente de su autenticidad, el incidente encantó a la sociedad vienesa, que lo creyó verdadero durante mucho tiempo
La carta Amada inmortal
En 1812, Beethoven se traslada al balneario de Teplice y durante su estancia escribió la carta Amada inmortal, que provocó multitud de especulaciones sobre su destinataria aunque nunca se ha podido averiguar con exactitud. En 1977 el musicólogo estadounidense Maynard Solomon afirmó que la carta iba dirigida a Antonie Brentano, la esposa de un mercader de Fráncfort del Meno y madre de cuatro hijos. Debido a su sentido ético y su miedo al matrimonio, Beethoven abandonó esta relación, a pesar de los conflictos emocionales que le causó.[7] En julio de ese año, Elizabeth von Arnim organizó un encuentro entre el compositor y Johann Wolfgang von Goethe. Más tarde la condesa publicó su correspondencia con Goethe y en una de sus cartas al conde Hermann von Pückler-Muskau relató cierto suceso que al parecer habría ocurrido en dicho balneario ese mismo verano, cuando Beethoven y Goethe se encontraron por primera vez. Ambos paseaban por la alameda del balneario y de pronto apareció frente a ellos la emperatriz con su familia y la corte. Goethe, al verlos, se hizo a un lado y se quitó el sombrero. En cambio, el compositor se lo caló todavía más y siguió su camino sin reducir el paso, haciendo que los nobles se hicieran a un lado para saludar. Cuando estuvieron a cierta distancia se detuvo para esperar a Goethe y decirle lo que pensaba de su comportamiento «de lacayo
martes, 14 de diciembre de 2010
Los Premios 40 Principales 2010
Los Premios 40 Principales 2010 han premiado con tres galardones a Maldita Nerea (Mejor Grupo, Artista Revelación y Mejor Canción por "Cosas que suenan a…"), con dos premios a Alejandro Sanz (Mejor Álbum y Mejor Gira por "Paraíso Express"), y con un galardón a Dani Martín (Mejor Artista Solista) y Carlos Jean (Mejor Videoclip por "Ay Haití").
La norteamericana Lady Gaga consiguió las dos estatuillas en las Categorías Internacionales en Lengua No Española: Mejor Artista y Mejor Canción por "Bad Romance".
En la gala intervinieron por este orden: Kylie Minogue, Edward Maya, Maldita Nerea, Melendi, Ricky Martin, Nena Daconte, Inna, Dani Martín, Oceana, Robert Ramírez, Juanes, 40 El Musical, Macaco & Estopa, Alejandro Sanz y Ke$ha.
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La norteamericana Lady Gaga consiguió las dos estatuillas en las Categorías Internacionales en Lengua No Española: Mejor Artista y Mejor Canción por "Bad Romance".
En la gala intervinieron por este orden: Kylie Minogue, Edward Maya, Maldita Nerea, Melendi, Ricky Martin, Nena Daconte, Inna, Dani Martín, Oceana, Robert Ramírez, Juanes, 40 El Musical, Macaco & Estopa, Alejandro Sanz y Ke$ha.
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Vuelve ganó el Grammy
Vuelve ganó el Grammy a la mejor Interpretación de Música Popular Latina. Y desde ese momento Ricky Martin, emergió súbitamente como nombre y presencia reconocibles en todo el mundo.
Después del exito obtenido, Ricky lanza al mercado, en mayo de 1999, un nuevo álbum homónimo Ricky Martin, que fue producido por Robi Rosa, Desmond Child, y Emilio Estefan Jr, entre otros, con temas en inglés y español. El disco debuta como número 1 en la lista de 200 álbums de la Revista Billboard con mayor cifra de ventas en la primera semana (660.000 copias) consolidándole como una superestrella de la música latina.
En el 2000 Ricky presenta Sound Loaded, donde sigue encontrando nuevas maneras de combinar sus raíces musicales latinas. Incluye también temas en inglés y español, realizados por Robi Rosa, Jon Secada, Pau Donés, y Desmond Child.
Tras su más largo descanso discográfico Ricky vuelve en 2003 con Almas de silencio, y singles como Tal vez y Jaleo.
En 2005 llega Life, un disco en inglés con dos temas en castellano, Que más da, primer single y Déjate llevar. el tiempo
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Después del exito obtenido, Ricky lanza al mercado, en mayo de 1999, un nuevo álbum homónimo Ricky Martin, que fue producido por Robi Rosa, Desmond Child, y Emilio Estefan Jr, entre otros, con temas en inglés y español. El disco debuta como número 1 en la lista de 200 álbums de la Revista Billboard con mayor cifra de ventas en la primera semana (660.000 copias) consolidándole como una superestrella de la música latina.
En el 2000 Ricky presenta Sound Loaded, donde sigue encontrando nuevas maneras de combinar sus raíces musicales latinas. Incluye también temas en inglés y español, realizados por Robi Rosa, Jon Secada, Pau Donés, y Desmond Child.
Tras su más largo descanso discográfico Ricky vuelve en 2003 con Almas de silencio, y singles como Tal vez y Jaleo.
En 2005 llega Life, un disco en inglés con dos temas en castellano, Que más da, primer single y Déjate llevar. el tiempo
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Su tercer disco A medio vivir
Su tercer disco A medio vivir, que fue producido por Robi Rosa y KC Porter, salio al mercado en 1995, y vendió más de seiscientas mil copias en seis meses.
Su fama y reconocimento han hecho que sea requerido para todo tipo de proyectos: en el ambito musical fue una de las estrellas latinas que cantó el tema Puedes llegar en el disco de las olimpiadas de Atlanta 96'; hizo un dueto con Paul Anka para su CD "Amigos"; dobló al español, al héroe de Diney Hercules, y además interpretó el tema principal de esta película.
En febrero de 1998 Ricky presenta su cuarto trabajo Vuelve que ha vendido más de seis millones de copias en todo el mundo, y donde se incluye: La copa de la vida tema oficial del mundial de fútbol Francia 98.el tiempo
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Más de mil millones de espectadores en 187 paises alrededor del mundo experimentaron el poder y la energía de la electrizante interpretación que hizo Ricky de esta canción, en la entrega de los Premios Grammy en 1999.
Su fama y reconocimento han hecho que sea requerido para todo tipo de proyectos: en el ambito musical fue una de las estrellas latinas que cantó el tema Puedes llegar en el disco de las olimpiadas de Atlanta 96'; hizo un dueto con Paul Anka para su CD "Amigos"; dobló al español, al héroe de Diney Hercules, y además interpretó el tema principal de esta película.
En febrero de 1998 Ricky presenta su cuarto trabajo Vuelve que ha vendido más de seis millones de copias en todo el mundo, y donde se incluye: La copa de la vida tema oficial del mundial de fútbol Francia 98.el tiempo
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Más de mil millones de espectadores en 187 paises alrededor del mundo experimentaron el poder y la energía de la electrizante interpretación que hizo Ricky de esta canción, en la entrega de los Premios Grammy en 1999.
lunes, 6 de diciembre de 2010
En los carnavales
Para los Carnavales de 1928 actuó en los teatros Ópera y San Martín y prosiguió luego con actuaciones en cine. Allí ingresó el contrabajista Vicente Sciarreta y De Caro estrenó Boedo y Moulin Rouge. Hacia fines de 1929 José Niesow sustituyó a Emilio De Caro y la orquesta animó los desfiles de modelos que se hacían en la tienda Ciudad de México ubicada en Florida y Sarmiento en tanto al mismo tiempo grababa para el sello Brunswick. Durante todo 1930 actuó en el Real Cine de la calle Esmeralda y Corrientes y en el Carnaval de 1931 en el teatro Cervantes. En esa época dio a conocer los valses Ilusión de pierrot y Amelia y los tangos Tierra adentro y Batida nocturna
Gordon Stretton
Asumiendo el papel de empresario con el jazzista Gordon Stretton, De Caro actúa con gran éxito durante los bailes del Carnaval de 1927 al mismo tiempo en el teatro Avenida y en el cine Callao. A continuación, entre mayo y septiembre fue al Copacabana Palace Hotel de Río de Janeiro agregándose a la orquesta el cantor Luis Díaz y en esa temporada estrenó Tierra querida, Copacabana y Olimpia. Retornados a Buenos Aires y al Select Lavalle estrenó Mala junta escrito en colaboración con Pedro Laurenz.
En el hotel Richmond Florida
En esa época falleció repentinamente el contrabajista Thompson y Hugo Baralis (padre del conocido violinista del mismo nombre) lo reemplazó.
Sigueron luego actuaciones de la orquesta en el Richmond Florida, el Tigre Hotel y en el Plaza Hotel. En los Carnavales de 1926 De Caro volvió a animar los bailes en el teatro 18 de julio de Montevideo con algunos cambios en la orquesta: Baralis fue reemplazado por Olido Sinibaldi y se agregan los violines de Manlio Francia y Antonio Arcieri y los bandoneones de Enrique Pollet y Antonio Romanocursos de guitarra bogota
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sábado, 18 de septiembre de 2010
Martinete (música)
Se trata generalmente de un cante con copla de cuatro versos octosilabos. Se considera una modalidad de la toná,[2] al igual que la carcelera, originada en las fraguas o herrerías. Sus letras se distinguen por generalmente por su contenido triste y por su tono monocorde, terminando en largos quejíos. Por ser una toná se canta sin guitarra aunque a veces se acompaña precisamente de sonidos de fragua, como el de un martillo pilón o martinete golpeando el metal.
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Mariana (flamenco)
La popularización de este cante se debió principalmente a El Cojo de Málaga a comienzos del siglo XX, también conocido como El Cojo de las Marianas, y por El Niño de las Marianas, estilo del que tomó su nombre artístico. Posteriormente ha sido revalorizado por artistas como Bernardo el de los Lobitos, Jesús Heredia, Curro Lucena y José Menese.
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Intérpretes de la malagueña
Algunos consideran a Juan Breva el creador de las primeras malagueñas aunque otros considera a El Canario, pues consideran que las malagueñas de Juan Breva son un fandango "abandolao". También son conocidas las malagueñas de la Trini, las del Niño Tomares o las del maestro Ojana que son diferentes a las de Juan Breva. Del mismo modo, los cantes por este estilo de Enrique el Mellizo, Francisco Lema "Fosforito el Viejo" y Chacón, de donde se dice que arrancan las "malagueñas nuevas", suponen un salto evolutivo con relación a las de las figuras citadas con anterioridad, que se agrupan entre los intérpretes de las que se han llamado "malagueñas de transición. A finales de los 90 comenzó un nuevo resurgir de las malagueñas llamadas "Malagueñas de Fiesta" gracias al Concurso de Malagueñas, acualmente llamado Memorial Jose María Alonso. Por ello se comenzó a crear nuevas malagueñas bajo la norma de respetar el ritmo y compas, para poder hacerlas bailables a los diferentes grupos de danza. Autor de varias "Malagueñas de Fiesta" de esta época es Francisco Soler.
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sábado, 28 de agosto de 2010
Características del vals venezolano
De acuerdo con Luis Felipe Ramón y Rivera, existen dos corrientes en el vals: el de salón y el popular. En el vals de salón, el instrumento favorito para su ejecución es el piano. Se enfatiza en los nombres de Manuel Azpúrua, Manuel Guadalajara, Rafael Isaza, Rogelio Caraballo y Ramón Delgado Palacios en el inicio de este género en Venezuela, y se dedicaron a la composición de valses de dos partes. A partir de esto, el compositor Antonio Lauro tomó una importante literatura del vals para la guitarra.
El vals de tradición oral, o vals popular, utiliza para su ejecución los instrumentos típicos de cada región venezolana, siendo cultivado mayormente en los Andes y en la región centro-occidental de Venezuela. En la región andina, el violín y la bandola son instrumentos solistas, acompañados de la guitarra, triple y cuatro. En Lara se ejecuta con violín, mandolina, cuatro y guitarra.[2]
La melodía, generalmente en ocho compases, es entrecortada e insinuante, rompiendo de forma atrevida con la métrica europea y jugando con los silencios y compases de forma graciosa y saltarina. Esta influencia del valse llega a los serenateros y compositores románticos, quienes divulgaron ampliamente el vals-canción. En los Andes venezolanos se crea el pasillo, forma de valse andino, con alargada presencia en las regiones colombianas contiguas.
La estructura musical característica de los valses populares consta de tres partes. Aún cuando muchos músicos firman sus composiciones con sus nombres, la mayoría han dejado sus creaciones en el anonimato.
En la tradición popular se pueden encontrar el vals en muchos bailes y manifestaciones folklóricas, como el joropo y el tamunangue, entre otros. wikipedia
historia del Vals venezolano
El siglo XVIII es normalmente considerado el siglo de oro de la música venezolana, a pesar de haber sido destruidos durante la Guerra de Independencia gran parte de los documentos de esta época sobre el tema. Pero a mitad del siglo XIX, y más particularmente durante los años del General Guzmán Blanco en la Presidencia de la República, fue muy marcado el afrancesamiento de la sociedad. Entre los bailes de salón que fueron introducidos en Venezuela durante el siglo XIX, el vals ha sido uno de los que ha tenido mayor arraigo y difusión. Éste consiste en una manifestación musical derivada de un baile popular austríaco, conocido como ländler. Aunque no se puede definir una fecha exacta para la llegada del vals a Venezuela, es seguro que ya para mediados de ese siglo ya estaba presente en la escritura musical del país, registrando notas en el Nuevo Método para Guitarra y Arpa, publicado en Caracas por la imprenta de Tomás Antero.[1]
La popularidad del vals se vio reforzada por las múltiples publicaciones en periódicos y revistas sobre este tema, tanto de la música como del baile, y se convirtió en la base de muchos otros géneros musicales, entre ellos el joropo.
Entre los compositores de valses más conocidos del siglo XIX podemos citar los nombres de Federico Vollmer, Rafael María Saumell, Ildefonso Meserón y Aranda, Rogerio Caraballo, Manuel Guadalajara, Ramón Delgado Palacios, Salvador Narciso Llamozas e incluso la célebre pianista Teresa Carreño. En el cambio de siglo, al siglo XX, siguieron recogiendo y componiendo valses los músicos criollos Vicente Emilio Sojo, Moisés Moleiro, Inocente Carreño y Evencio Castellanos, entre otros. En pleno siglo XX, cabe destacar los valses para guitarra de Antonio Lauro, compositor que hizo notables aportes al lenguaje musical del vals, y cuyo nombre se ubica entre los mejores compositores latinoamericanos para guitarra clásica del siglo XX. wikipedia
El vals venezolano
De acuerdo con Luis Felipe Ramón y Rivera, existen dos corrientes en el vals venezolano: el de salón y el popular. En el vals de salón, el instrumento favorito para su ejecución es el piano. Se enfatiza en los nombres de Manuel Azpúrua, Manuel Guadalajara, Rafael Isaza, Rogelio Caraballo y Ramón Delgado Palacios en el inicio de este género en Venezuela, y se dedicaron a la composición de valses de dos partes. A partir de esto, el compositor Antonio Lauro tomó una importante literatura del vals para la guitarra.
El vals de tradición oral, o vals popular, utiliza para su ejecución los instrumentos típicos de cada región venezolana, siendo cultivado mayormente en los Andes y el la región centro-occidental de Venezuela. En la región andina, el violín y la bandola son instrumentos solistas, acompañados de la guitarra, triple y cuatro. En Lara se ejecuta con violín, mandolina, cuatro y guitarra.
La estructura musical característica de los valses populares consta de tres partes. Aún cuando muchos músicos firman sus composiciones con sus nombres, la mayoría han dejado sus creaciones en el anonimato.
En la tradición popular se pueden encontrar el vals en muchos bailes y manifestaciones folklóricas, como el joropo y el tamunangue, entre otros. wikipedia
martes, 24 de agosto de 2010
Museo de la canción
Hay, también en la ciudad de Mérida, un Museo de la canción yucateca en donde se reúne y expone la historia y peculiaridades de la trova y en general de la música regional, fundado por la señora Rosario Cáceres, nieta del creador de la trova yucateca, Cirilo Baqueiro Preve (Chan Cil). Ahí, además de loarse a los poetas, compositores e interpretes de este género musical se hacen representaciones públicas permanentemente. wikipedia
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sábado, 21 de agosto de 2010
Imperio Medio
Se amplía la gama de instrumentos, con la adopción de la lira de origen asiático, tambores con tensor africanos y nuevas clases de sistros: al antiguo sistro en forma de herradura, se le suma el sistro de Naos, con silueta de templo estilizado. wikipedia
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Imperio Antiguo
La música era religiosa, cánticos de los sacerdotes durante los ritos litúrgicos. Por el estudio de los instrumentos, de los que hay numerosas representaciones, se ha llegado a la conclusión de que seguían una escala pentatónica o heptatónica.
- Instrumentos:
- De viento:
- Flauta recta, de caña vertical, con cuatro a seis agujeros, sin boquilla y de casi un metro de longitud. Subsiste hasta el día de hoy con los nombres de nay y uffata en las músicas cultas y populares de Egipto.
- Chirimía doble, que consistía en dos tubos paralelos de caña con lengüeta, de igual longitud, que sonaban al unísono. Es el actual instrumento egipcio denominado zummarah. Tal vez se tocara la misma melodía de forma duplicada, con ligeras variantes, tal y como se realiza en la práctica actual, o bien se tratase de alguna forma de eterofonía o de una práctica de bordón.
- Trompeta, de cobre o plata, que se usaba en los desfiles militares y para el culto a los muertos, eran metálicas, similares a la trompeta palestina.
- De cuerda:
- Arpa de seis a ocho cuerdas muy decorada. Se ha encontrado una en la necrópolis de Guiza de circa 2000 a. C. Se apoyaba en el suelo, y su cordal de una sola pieza recuerda aun al más antiguo arco musical. El mismo desemboca en un resonador ancho, en forma de pala, que a menudo lleva pintados ojos de dioses, destinados a contrarrestar las desgracias. Sus cuerdas se fijaban en la parte inferior de una barra de afinación, que hipotéticamente podría haber servido para cambiar la afinación de todas las cuerdas, tal y como se realiza en la actualidad con le juego de pedales del arpa moderna. En la iconografía se ve el arpa como instrumento acompañante junto a cantantes, flautistas, etc., y en alguna ocasión formando parte de una orquesta (se ha encontrado una representación de una orquesta con siete arpistas).
- Guitarra, de tres cuerdas, con un mástil el doble de largo que el cuerpo.
- De percusión:
- De viento:
- Intérpretes:
- Jufu Anj, cantante y flautista de la corte. wikipedia
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Evolución de la musica en Egipto
Por medio de las pinturas y las ofrendas encontradas en las tumbas, así como por el estudio de los instrumentos encontrados, se puede seguir una cierta evolución de la música. Al principio sólo tenían instrumentos de percusión, por lo que es evidente que la música era rítmica. Por las imágenes conservadas sabemos que se usaba para invocar el favor de los dioses sobre la cosecha, o para ahuyentar las plagas.
En el cuarto milenio aparecieron la flauta vertical y el arpa, siendo esta última una especie de instrumento nacional de los egipcios. wikipedia
jueves, 12 de agosto de 2010
Ritmo del bambuco
El bambuco posee un aire dulce y acariciante. Su ritmo, en la partitura, se basa en una armadura de compás binario con subdivisión ternaria (6/8), aunque se puede interpretar en compás ternario con subdivisión binaria o 3/4. Sin embargo, este último ritmo lo convierte en una especie de vals, lo cual le quita su sabor exclusivo, conque debe ser interpretado a 6/8 y por supuesto cantarse en octosílabos.
Por este motivo los músicos lo consideran difícil de interpretar, razón por la cual no se ha difundido en la forma en que lo han hecho ritmos más sencillos como el de la llamada “música caliente” (balada pop y otras), interpretada en ritmos de 2/4 o 4/4. wikipedia
Características del bambuco
El Bambuco: copla y tonada, gesto y movimiento, patrimonio común y común denominador de la raza colombiana, pedazo de la patria hecho música.
El bambuco –aire mestizo– es la resultante musical del acoplamiento de razas progenitoras que al fundirse en nuestro territorio alumbraron el nuevo ritmo.
«Una melodía incierta, íntima, desgarradora, compañera que llora y que al dolor nos despierta. O una risa de placer, instadora, turbulenta, que arrebata, que impacienta, con eléctrico poder. Hay en el mas poesía, riqueza, verdad, ternura, que en mucha docta obertura y mística sinfonía»
El bambuco está enmarcado totals aires campesinos del país. Posee un marco y un sabor de campo, descriptivo, romántico y nostálgico a veces, pero también se ha utilizado ampliamente para expresar el orgullo y la altivez por la tierra y la raza, tal como lo expone la composición "Soy colombiano"[1] del maestro Rafael Godoy o tan colombianas como "Colombia es amor"[2] del el maestro José Jacinto Monroy Franco. Es por ello que la configuración de este género se basa en la expresión de los sentimientos lugareños, regionales o incluso nacionales. wikipedia
Bambuco
El bambuco es una danza y un género musical colombiano autóctono, considerado uno de los más representativos de ese país, tanto que ha llegado a ser reconocido entre los emblemas nacionales y como parte del folclore de esta nación.
«La danza del bambuco es enteramente original, su música es singular y en fuerza de su mérito y poesía se ha convertido en música y danza nacional. El único caso probable de nostalgia de un granadino en tierras apartadas, seria oyendo un bambuco. (Historia de la Literatura en Nueva Granada 1867)» wikipediaacademias de musica
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Evolución fuera de España del villancico
En Portugal fue también un género popular, denominado vilancete principalmente poético. Cabe destacar las extensas colecciones de villancicos de Juan IV, llamado el rey músico.
En la América colonial el villancico siguió un desarrollo paralelo al de la península siendo valorado como medio evangelizador, incorporando el lenguaje y ritmos de las formas locales, incluyendo con frecuencia palabras en idiomas indígenas como el náhuatl, vocablos africanos o jerga de los dialectos europeos. Entre estos figuran los llamados villancicos de negro o negrillos en los que se imita el sonido de los dialectos africanos con onomatopeyas. Entre estos son particularmente conocidos los de Sor Juana Inés de la Cruz.
Otras formas tradicionales americanas derivadas del villancico son la jácara, el gallego y el tocotín. Entre los compositores americanos más notables figuran José de Loaiza y Agurto, Manuel de Sumaya e Ignacio Jerúsalem en Nueva España, [[Manuel José de Quirós] y Rafael Antonio Castellanos en Guatemala, José Cascante en Colombia y Juan de Araujo y Tomás de Torrejón y Velasco en Perú. wikipedia
el villancico en el siglo XVII
Musicalmente el villancico se hace más complejo acentuándose la distinción entre coplas y estribillo, el cual se hace más largo y polifónico, mientras que las coplas se acortan y se hacen más homofónicas reduciendo el número de voces.
En el siglo XVII el villancico es un género sumamente popular, constituyendo la mayor parte de la producción musical española de la época. Se componen multitud de villancicos devocionales para las distintas festividades religiosas tales como la Asunción, la Inmaculada Concepción o festividades de santos además del Corpus Christi o la Navidad. En esta época el villancico se sofistica aún más añadiendo más voces a la polifonía, hasta ocho distribuídas en dos coros situados en diferentes partes de la iglesia y acompañamiento de violón, arpa y órgano. El estribillo se hace más largo y complejo polifónicamente, mientras que como contraste las coplas se acortan y simplifican musicalmente. También se introducen algunos elementos dramáticos. Son músicos importantes de este período entre muchos otros Cristóbal Galán, Juan Hidalgo y Sebastián Durón.
El siglo XVIII marca el inicio de la decadencia del género, el cual recibe cada vez más influencia de la música vocal italiana que por entonces dominaba el panorama musical europeo. Los villancicos alteran su sencilla estructura inicial complicándose con nuevas secciones musicales a imitación de la cantata, deviniendo en una sucesión de recitativos y arias da capo según el modelo de la ópera italiana. En 1765 se prohíben los villancicos en los actos religiosos. wikipedia
Evolución del género
En la primera época el género está poco definido encontrándose todo tipo de temas, desde narración de sucesos locales, canciones amorosas hasta sátiras y burlas, y con poca presencia de la temática religiosa y cuando la hay no está específicamente asociada con la Navidad u otras festividades. La mejor muestra de este período se halla recogida en el Cancionero de Palacio (1474-1516), siendo Juan del Enzina el principal compositor de la época. Otras recopilaciones importantes son el Cancionero de la Colombina (1490), el de Sablonara, el de Stúñiga o el de la Casa de Medinacelli. La musica de este período es sencilla, buscando la adaptación al texto.
La polifonía suele ser en esta primera época a tres o cuatro voces. Posteriormente, durante el siglo XVI, y de forma paralela a los villancicos polifónicos se empiezan a componer algunos a una sola voz y con acompañamiento de vihuela que a partir del siglo XVII sería de guitarra.
A partir de la segunda mitad del siglo XVI las autoridades eclesiásticas comenzaron a promover como una medida evangelizadora el uso de música en lengua vernácula en los oficios religiosos, especialmente durante las fiestas del calendario religioso, especialmente en Navidad y el Corpus Christi. Estas piezas eran cantadas en la misa de mañana de estas festividades. Las catedrales e iglesias de importancia se dotaron de un cuerpo de músicos y un maestro de capilla encargado de componer especialmente para estas ocasiones. Los principales cantorales que se conservan de esta segunda época son el Cancionero del Duque de Calabria o de Upsala (debido a que la única copia que se conserva está en la biblioteca universitaria de esta ciudad sueca), el Cancionero de Medinaceli y las Canciones y Villanescas Espirituales de Francisco Guerrero. El villancico también se abre paso hacia otras formas artísticas literarias como el teatro como en la obra de Gil Vicente o la novela pastoril con Jorge de Montemayor. También Santa Teresa compuso algún poema con esta forma. wikipedia
lunes, 2 de agosto de 2010
Cumbias chilenas más conocidas
Las cumbias chilenas más conocidas, las cuales forman parte de la cultura popular chilena, y los interpretes más conocidos de ellas son:
- "El Galeón Español", interpretada por la Sonora Palacios
- "Los Domingos (La peineta)", interpretada por la Sonora Tommy Rey
- "Daniela", interpretada por la Sonora Tommy Rey (regrabación del tema homónimo de cumbia peruana de Jhonny Arce del grupo Los Continentales)
- "Candombe para José", interpretada por la Sonora Palacios y Los Vikings 5
- "La gallina no", interpretada por Iván Enrique y su Combo
- "La Piragua", interpretada por Giolito y su Combo (regrabación del tema homónimo de cumbia colombiana de Los Black Stars y Gabriel Romero)
- "Don Goyo", interpretada por Giolito y su Combo
- "Me voy para Macondo", interpretada por Giolito y su combo
- "Un año más", interpretada por la Sonora Tommy Rey
- "De Coquimbo soy", interpretada por Los Vikings 5
- "Agua que no has de beber", interpretada por la Sonora Tommy Rey
- "Se murió Tite", interpretada por la Sonora Tommy Rey
- "La parabólica", interpretada por la Sonora Tommy Rey (regrabación del tema homónimo de la agrupación colombiana La Sonora Dinamita)
- "Agua que no has de beber", interpretada por la Sonora Palacios
- "Que te mate el tren", interpretada por Giolito y su Combo
- "El gavilán", interpretada por la Sonora Palacios
- "Pipiripau", interpretada por la Sonora Tommy Rey (regrabación del tema homónimo de cumbia mexicana del grupo Los Plebeyos)
- "Abusadora", interpretada por la Orquesta de Pachuco y la Cubanacan (Regrabación del tema homónimo de cumbia mexicana por Laura León y versionada en merengue por Wilfrido Vargas)
- "Boquita de Caramelo (Tus besos son)", interpretada por Los Vikings 5
- "El Rasca Rasca", interpretada por La Sonora Santiagueña
- "Arriba la novia", interpretada por Los Bananas 5
- "Se va la vida", interpretada por Los Vikings 5
- "Plena Española", interpretada por Los Vikings 5
- "Tu Hermana", interpretada por Los Vikings 5 wikipedia
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Tropical y Sound
A inicios de los 90 la cumbia chilena se fue influenciando progresivamente por la chicha y la cumbia sonidera. Esas influencias dieron origen, a mediados de los 90, a la movida tropical u mal nombrada onda Sound, la cual fue fundada por el cantante y guitarrista Paskual Ramírez (proveniente de la agrupación "La Nueva Cosecha de Arica") con su grupo Fantasía de Punitaqui en 1989, quienes fueron los primeros en grabar cumbias reversionando baladas pero con el sonido caracteristico de sintetizadores.
Algunos exponentes famosos del estilo Tropical o Sound: Amerika' n Sound, el Grupo Alegría, Tropikal Sound,Gran Sismo Tropikal, Hechizo, La Gran Magia Tropical, etc.
Su sonido es más electrónico que los estilos anteriormente mencionados, ya que es utilizado sintetizadores, guitarra eléctrica, bajo eléctrico y bateria electrónica, este fenomeno no se dio solo por las influencias de grupos mexicanos como Sonido Mazter y Grupo Ternura (Argentino), más bien fue el desenlace que desde los años 80 existian las bandas que tocaban cumbias para animar fiestas, casamientos, y bailes particularmente en el norte de Chile, por el hecho de permitirles transportarse con menos equipos y disminuir el numero de integrantes, reemplazando 2 o 3 trompetistas por un solo tecladista, se decidio preferir los instrumentos electronicos. wikipedia
Los combos
Los combos de "cumbia chilena" se caracterizan por sus estar compuesta por agrupaciones de 10 o más músicos, llamados sonoras u orquestas, los que adaptaron la cumbia a un estilo propio al implementar y tocar la cumbia de manera distinta a la original.
Uno de los temas más escuchados es "Un año más", del Coquimbano Hernán Gallardo, grabado por primera vez por Los Vikings 5 en 1977, y posteriormente por La Sonora Palacios en 1980, trasformandose así en un verdadero himno para los años nuevos o cumpleaños. Sus exponentes más importantes y conocidos son La Sonora de Tommy Rey, La Sonora Palacios, Los Vikings 5, Giolito y su combo y Pachuco y la Cubanacán. wikipedia
jueves, 29 de julio de 2010
Perú
La música peruana es muy variada. En las costas peruanas se encuentran ritmos como el landó, la zamacueca (que le da origen a la cueca chilena y a la zamba argentina), el festejo, el panalivio, cumananas y socabones -no tan usados en la actualidad- todos estos de origen afro. Existen también el tondero, la marinera norteña, que se caracteriza por su baile de cortejo, de movimientos ágiles y desplazamientos libres, siendo su ejecución bastante compleja; existe también la marinera limeña siendo esta más recatada. Los valses criollos o valses peruanos (como son conocidos en el resto del mundo) son también parte importante de la música de la costa. La música de la selva peruana, está muy ligada a su vez a sus bailes y de carácter alegre dónde se usa un tipo flauta también tambores. En la sierra se encuentran los huaynos, los yaravíes, las mulizas; los instrumentos utilizados en la música de la sierra del Perú son los diversos tipos zampoñas y/o sikus, quenas, antaras, cornos andinos, el violín andino, el arpa e inclusive el saxofón. Ésta herencia andina es la vertiente más conocida en el mundo sobre la música peruana, siendo el tema "El cóndor pasa" el más famoso regrabado en muchos idiomas y por diversas orquestas internacionales como Paul Muriat. wikipedia
Panamá
El ritmo y baile típico popular en Panamá suele ser llamado "pindín" o simplemente típico. Existe en forma de ballet folklórico, más refinado y coreografiado, y en su forma más popular, bailado en jorones, "toldos" y centros de baile típico. Antiguamente se utilizaba mucho el violín, aunque desde hace décadas se impuso fuertemente el acordeón. Entre los cantautores de música típica popular están Victorio Vergara, Osvaldo Ayala, Ulpiano Vergara, Alfredo Escudero y los hermanos Samy y Sandra Sandoval. Otro ritmo popular es la danza de los congos, en la región norteña, la cual está influenciada fuertemente por elementos africanos y antillanos. Es notable la proliferación de "torrentes" de trova con guitarra, llamada cantadera o décima, en la cual es común el uso de la guitarra española, el violín. La mejorana es un género popular cuya característica es que utiliza un tipo autóctono de guitarra llamado mejoranera. Algunos exponentes de la música latina de ritmos importados del extranjero hacia Panamá son Rubén Blades en Salsa, Pedro Altamiranda, El General en Hip Hop y Nigga en Reggaetón. wikipedia
viernes, 23 de julio de 2010
Katagai
Según Katagari, J. En el artículo “Los efectos de la formación musical y de textos sonoros en la comprensión emocional de niños con autismo” de la Revista de la Universidad de Florida. El propósito de este estudio fue examinar los efectos de la formación musical y de textos sonoros para enseñar la comprensión emocional a niños con autismo. Los participantes fueron 12 estudiantes (con una media de edad de 11.5 años) con un diagnóstico primario de autismo que fueron atendidos en escuelas de Japón. A cada participante se le enseño cuatro emociones para decodificar y codificar: felicidad, tristeza, enfado y miedo. Todo esto en un orden de tratamiento de contraposición. El tratamiento consistió en cuatro condiciones: a) sin control de contacto (SCDC) – sin determinación de enseñar la emoción seleccionada. b) Control de contacto (CC) – enseñando la emoción seleccionada usando solamente instrucciones verbales, c) formación musical (FM) – enseñando la emoción seleccionada con instrucciones verbales junto con formación musical representando la emoción, y cantando canciones (Cantar) – Enseñando la emoción seleccionada cantando canciones especialmente compuestas sobre la emoción. A los participantes se les dio un test inicial y un test final y recibieron 8 sesiones individuales sobre estos test. Los resultados indicaron que todos los participantes desarrollaron significativamente su comprensión de las cuatro emociones seleccionadas. La formación musical fue significativamente más efectiva que las otras 3 condiciones en el desarrollo de la comprensión emocional de los participantes. Los resultados sugieren que la formación musical puede ser una herramienta efectiva para incrementar la comprensión emocional en niños con autismo, lo cual es crucial para sus interacciones sociales.
Lars-Olov
Lundqvist, Lars-Olov. Andersson, Gunilla. Viding, Jane. En el artículo: “los efectos de la música vibroacústica en las conductas disruptivas en individuos con autismo y problemas de desarrollo”. En la revista de Investigación en trastornos del espectro autista. La música vibroacústica ha sido propuesta como un efectivo tratamiento para individuos con problemas de desarrollo y conductas problemáticas. Este estudio, ha comprobado experimentalmente los efectos de la música vibroacústica en las conductas autolesivas, estereotípicas y aquellos comportamientos agresivos en 2º individuos con trastornos del espectro autista, y problemas de desarrollo. Los participantes fueron clasificados en dos grupos. El primero recibió un tratamiento que constaba de sesiones de 10-20 minutos con música vibroacústica durante 5 semanas. El segundo grupo, por otra parte recibió el mismo tratamiento durante las siguientes 5 semanas. El comportamiento de los participantes fue evaluado utilizando el Inventario de Problemas de Conducta, antes de la consecución del tratamiento. Para evaluar cada sesión, los asistentes acompañantes, evaluaron el comportamiento mediante diferentes escalas al término de las mismas. Además las sesiones fueron grabadas en video y analizadas minuto a minuto. Los resultados revelaron que la música vibroacústica redujo las conductas autolesivas, estereotípicas y violentas en los participantes. Por otra parte, los resultados revelaron diferencias entre los resultados obtenidos entre los participantes, dependiendo del diagnóstico y gravedad de los sujetos.
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Polo L.
Según Polo, L. (2002), en la revista Arte, individuo y sociedad. Anejo I, esta autora ha escrito un artículo llamado: “Yo puedo, tú puedes... La Expresión Artística como puente de comunicación para personas con discapacidad”, en el cual se expone que las actividades plásticas favorecen el desarrollo de la creatividad, sensibilidad y capacidad de expresión. Por tanto, las personas con discapacidad también son receptivas de realizar actividades artísticas que les permitan disfrutar de sus beneficios de comunicación y expresión. Mediante estas actividades se pueden acceder al conocimiento y apreciación del mundo de las formas, colores, sonidos, texturas, ritmos, sensaciones, movimientos, valores... Además, ayuda a desarrollar la capacidad de expresión como medio de comunicación y favorece las relaciones interpersonales. Algunos de los objetivos que se persiguen son:
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- Favorecer un equilibrio emocional.
- Enriquecer las experiencias perceptivas, intelectuales, corporales y estéticas.
- Mejorar la comunicación verbal y no verbal.
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Investigasiones
•Según Mora Zúñiga, D. M., Salazar, W., y Valverde, R. (2001), en la revista “Efectos de la música-danza del refuerzo positivo en la conducta de personas con discapacidad múltiple”, se realiza un estudio en el que se determinan los efectos agudo y crónico de la música-danza y del refuerzo positivo en conductas no deseadas y el seguimiento de órdenes en una población con discapacidad múltiple. Los participantes, fueron divididos en tres grupos: música-danza (MD), refuerzo positivo (RP) y grupo control (GC). Las variables que se midieron fueron conductas no deseadas (CND) y seguimiento de órdenes (SO). Los grupos MD y RP recibieron cuatro sesiones por semana, de veinte minutos cada una, en el periodo de tres semanas. Las mediciones para determinar el efecto agudo se hicieron durante una sesión, para CND y SO. El análisis estadístico consistió en ANOVAS de dos vías (3 grupos x 3 mediciones) tanto para el efecto agudo como para el crónico. Las CND disminuyeron significativamente de forma aguda con ambos métodos, siendo más efectivo MD que RP; por el contrario, crónicamente solo disminuyeron con RP, pero no hubo efecto de retención. SO fue significativamente mejor con MD tanto crónica como agudamente. EL GC no mostró cambios en ninguna medición. En un futuro se deberían investigar los efectos de MD y RP en otras variables, por ejemplo: comportamiento no verbal o movimientos voluntarios, en una población con discapacidad múltiple.
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Dramaterapia
La terapia a través del arte dramático: dramaterapia
La dramaterapia es la utilización intencionada y sistemática del proceso, los resultados y las asociaciones vinculadas con el arte dramático con el fin de alcanzar los objetivos terapéuticos de alivio de los síntomas, integración física y emocional, así como de crecimiento personal.
Vaillancourt, G., Música y musicoterapia (2009)
La dramaterapia ayuda a la persona a contar su historia, con el fin de resolver un conflicto interior, para profundizar en el y ampliar su experiencia personal. Esta terapia ha evolucionado a partir de experiencias e investigaciones de psicoterapeutas, profesores y profesionales del teatro que se dieron cuenta de que las terapias verbales tradicionales eran a veces demasiado rígidas para permitir a las personas solucionar sus conflictos. Para ser dramaterapeuta, se deben tener estudios de teatro, psicología y psicoterapia. En esta terapia se trabaja con: con marionetas, juegos del rol, pantomima, trabajo con máscaras y producción teatral. A la hora de realizar la terapia se establecen unos objetivos que se quieren obtener con la misma, y estos están directamente relacionados con las necesidades de cada persona. Gracias a esto, podemos obtener beneficios como: disminuir la sensación de aislamiento, adquirir nuevos mecanismos de adaptación, dota a la persona de más recursos para mostrar las emociones y desarrollo de nuevas relaciones interpersonales. Por último, señalar que la dramaterapia se puede utilizar tanto a nivel individual, parejas, familias y grupos.
Aspectos
- El movimiento refleja la personalidad y los estados afectivos en la acción.
- La interacción y la reacción
- La experiencia del movimiento natural y normal tiene un efecto sobre los movimientos no naturales del cuerpo.
- Los cambios que sobrevienen con el movimiento influyen en el comportamiento global de una persona.
- Se percibe a través de la imagen que se hace la persona de sí misma, por su esquema corporal, la liberación de su energía y la reducción de su fragmentación de personalidad.
- Integración de los gestos y de la sensibilidad.
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La danzoterapia
La danzoterapia, también es una de las formas de arteterapia (terapias que utilizan la música, pintura y teatro). La música es el elemento esencial que utiliza la danzoterapia, y este es un recurso que está al alcance de todos, siendo sus efectos inmediatos. La danza, entendida como medio de comunicación en sus orígenes, es uno de los instrumentos más utilizado de esta terapia y cuya esencia es al fin y al cabo, el placer, la expresión y los componentes universales del gesto y de la expresión no verbal. El danzoterapeuta cuando realiza el tratamiento de la persona, siempre tiene en cuenta la etapa de desarrollo en la que se encuentra. Vaillancourt establece algunos de los principios que en los que se basa la terapia a través del movimiento y la danza:
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Terapia y danza
La terapia a través del movimiento y la danza: danza-movimientoterapia
La terapia a través del movimiento y la danza se define como la utilización terapéutica del movimiento con el fin de favorecer la integración de los aspectos físicos y afectivos del ser, trabajando para la armonización de los planos corporal, mental y espiritual.
Vaillancourt, G., Música y musicoterapia (2009)
En la antigüedad, la danza ya se utilizaba como terapia, pero se dejó de realizar con ese fin, hasta los años ´40 que gracias a la Danza Moderna, se vuelve a retomar de nuevo como terapia. En Estado Unidos, Marian Chace descubrió los efectos tan beneficiosos de introducir un espacio de danza y movimiento improvisado y creativo, en la unidad psiquiátrica del hospital donde trabajaba.
Arteterapia y comunicación
En la arteterapia (terapia basada en el arte), se utiliza la creación de imágenes como medio de comunicación principal. Es beneficiosa para el auto-conocimiento, el desarrollo personal, la mejora de la salud y la calidad de vida. La Psicología Humanista, considera que el ser humano sano es aquel que desarrolla todo su potencial, lo cual incluye la creatividad.
Utilizando procedimientos como: dibujo, collage, pintura y escultura; la persona transmite sus emociones, deja ver sus conflictos interiores o incluso sus recuerdos. Es por eso, que la arteterapia se propone como objetivo principal, la escucha interior, la atención y la espontaneidad.
Esta terapia puede utilizarse de forma individual o en grupos, además es adecuada para las personas que quieran conocerse mejor así mismas a través de dicha técnica.
Durante la sesión, la persona que la realiza está acompañada por el arteterapeuta, el cual: orienta en la creación, argumenta y a veces interpreta lo que la otra persona está expresando. Además suele tener una estrecha relación con otros profesionales especialistas (psiquiatra, psicólogo, profesor, trabajador social) o con la familia.
Arteterapia
[editar] La terapia a través del arte: arteterapia
La arteterapia comenzó ha utilizarse en Europa en 1940. Desde 1971, la principal referencia son las investigaciones de Winnicott sobre el “objeto transicional”. Los antecedentes del arteterapia Gestalt, de orientación humanista los podemos encontrar en Joseph Zinder (1977), Oaklander (1978), Rhine (1980). En España, se puede obtener información de esta terapia a través de la tesis doctoral de Elvira Gutiérrez de 1999.
La terapia a través del arte, o arteterapia, se define como un enfoque terapéutico fundado en principios de la psicología y de las artes visuales. La arteterapia propone una experiencia creadora, lúdica y visual y constituye una expresión de sí mismo no verbal y simbólica.
Terapias
realizarlas se recurre a la imaginación y creatividad de las personas. De esta manera, el sujeto llega a expresarse en las distintas áreas de una forma que nunca habría que pensado que lo haría. Hay que tener en cuenta, a la hora de realizarlas, que no todos los niños y jóvenes tienen los mismos gustos, ya que a unos les gusta el dibujo, a otros la música, el arte dramático o el movimiento. No obstante, se pueden mezclar dichas técnicas para divertir más al niño. En el caso de que el niño en cuestión, muestre una cierta atracción por un tipo de técnica que por otra, sería conveniente que un especialista en la materia lo oriente. Según Vaillancourt, “estas terapias responden a sus impulsos y coinciden con su expresión natural, que pasa por el juego y la creatividad” A continuación, se describe brevemente cada una de estas terapias.
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Materiales
Materiales y recursos en musicoterapia
| Instrumentos | Materiales | |
|---|---|---|
| Instrumentos naturales | El cuerpo como objeto sonoro: percusión corporal, voz. | |
| Instrumentos convencionales | Piano, guitarra, flauta. | |
| Instrumentos de percusión | Instrumentos folklóricos y autóctonos. | |
| Instrumentos de construcción artesanal | Construidos por los propios pacientes. | |
| Instrumentos construidos con fines terapéuticos | Material específico de musicoterapia, instrumentos adaptados y objetos sonoros para discriminación auditiva: silbatos, reclamos, etc | |
| Instrumentos electrónicos | Material informático musical. | |
| Material discográfico | Música de diferentes estilos | |
| Material de psicomotricidad | Rulos, colchonetas, cuñas, etc. |
[editar] Las terapias a través de las artes
La musicoterapia forma parte de lo que se conoce como “terapias a través de las artes”. Además de la musicoterapia, engloban la terapia por las artes plásticas, la terapia por la danza y el movimiento, y la terapia por el arte dramático.
Vaillancourt, G., Música y musicoterapia (2009)
Todas estas artes son de carácter no verbal, utilizan la imaginación y la expresión creativa. Antiguamente estas artes se utilizaban como terapias, pero eso se perdió hasta nuestros días que se vuelven a utilizar de nuevo con ese fin. El autor citado anteriormente aclara que estás técnicas están volviendo a nuestros días como “prácticas complementarias o alternativas”. Estas prácticas están sobre todo enfocadas al terreno de la salud, educación y los servicios sociales. La integración de estas terapias como práctica para niños y jóvenes tiene muchos beneficios, ya que para
Preparación de la sesión
Consideraciones para la preparación de la sesión
Es importante a la hora de preparar una sesión de musicoterapia, tener en cuenta una serie de cuestiones, con el fin de evitar ciertas problemáticas y además aumentar y potenciar los efectos que queremos lograr. A la hora de la preparación previa de la sesión, hemos de tener en cuenta a los destinatarios, sus características y problemática. Para ello, elegiremos la música más adecuada con los objetivos a conseguir, los destinatarios y las cuestiones del contexto que puedan influir. No se pueden dar unas consignas generales para todas las sesiones, ya que en función de sus características la elección de los elementos de la sesión variará. No es lo mismo preparar una para una persona con autismo que se excita mucho con la música, que para otra con hiperactividad, que necesita tranquilizarse y trabajar la concentración. En cuanto al espacio para la realización, deberá ser un espacio luminoso, pero no en exceso, con un clima agradable, y espacioso, de manera que permita realizar los movimientos necesarios.
Personalidad
Sobre el aspecto afectivo, emocional y de personalidad:
- Sensibilización de valores estéticos de la música.
- Sensibilización afectiva y emocional.
- Acercamiento al mundo sonoro, estimulando intereses.
- Reforzamiento de la autoestima y personalidad mediante la autorrealización.
- Elaboración de pautas de conducta correctas.
- Desarrollo de la atención y observación de la realidad.
- Aumentar la confianza en sí mismo y la autoestima.
- Establecer o restablecer relaciones interpersonales.
- Integrar socialmente a la persona.
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Objetivos de la musicoterapia para el trabajo con personas con discapacidad
Objetivos de la musicoterapia para el trabajo con personas con discapacidad
Según Lacarcel, J. (1995):Existen dos objetivos principales de la aplicación terapéutica de la música en las personas con discapacidad:
- Mejorar la afectividad, la conducta, la perceptivo-motricidad, la personalidad y la comunicación.
- Mejorar las funciones psicofisiológicas tales como el ritmo respiratorio y cardíaco, y el restablecimiento de los ritmos biológicos a través de la música.
En cuanto a las mejoras psicofisiológicas:
- Desarrollo de las facultades perceptivomotrices que permitan un conocimiento de las organizaciones espaciales, temporales y corporales.
- Favorecimiento del desarrollo psicomotor: coordinación motriz y óculo motriz, regulación motora, equilibrio, marcha, lateralidad, tonicidad.
- Integración y desarrollo del esquema corporal.
- Desarrollo sensorial y perceptivo.
- Desarrollo de la discriminación auditiva.
- Adquisición de destrezas y medios de expresión: corporales, instrumentales, gráficos, espaciales, melódicos, de color, temporales.
- Desarrollo de la locución y de la expresión oral mediante la articulación, vocalización, acentuación, control de la voz y expresión.
- Dotar al niño de vivencias musicales enriquecedoras que estimulen su actividad psíquica, física y emocional.
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Lacarcel Moren
Siguiendo a Lacarcel Moreno J.(1995) “la aplicación de la musicoterapia constata que muchos niños han mejorado considerablemente las condiciones asociadas a su discapacidad” En términos generales los beneficios pueden considerarse:
- Aumento de la comunicación y expresión, favoreciendo el desarrollo emocional.
- Mejora de la percepción y la motricidad.
- Favorecimiento de la expresión de problemas, inquietudes, miedos, bloqueos, actuando como alivio y disminutivo de la ansiedad.
- Equilibrio psicofísico y emocional.
- Mejora de las respuestas psicofisiológicas registradas en diferentes parámetros: encefalograma, reflejo psicogalvánico, ritmo cardíaco, amplitud respiratoria.
- Mejora del rendimiento corporal. Aumento también del riego sanguíneo cerebral.
- Acercamiento a niños que por su problemática resulta más complejo: autismo, psicosis,etc
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Beneficios
Beneficios de la música en el trabajo con personas con discapacidad
Según Vaillancourt G. el niño además de ser un ser en desarrollo es un ser creativo y musical, ya que posee su propia música que expresa como funciona como vía de acceso de los sentidos que facilita y posibilita el aprendizaje. Además de resultar muy motivador y fomentar la capacidad de creación de la persona. La música, puede utilizarse como material y método educativo, que además de puede implementar dentro de las terapias para mejorar o restablecer las capacidades físicas y psicológicas Centrándonos en las personas con discapacidad, la música como terapia puede resultar realmente beneficiosa, tal y como veremos más adelante.
Clasificación de las distintas discapacidades
Clasificación de las distintas discapacidades
Existen tres grandes grupos en los cuáles podríamos integrar todas las discapacidades que conocemos, estos serían:
- Discapacidad física: como por ejemplo, parálisis cerebral, espina bífida, etc.
- Discapacidad psíquica: como por ejemplo, retraso mental.
- Discapacidad sensorial: como por ejemplo, deficiencia auditiva, deficiencia visual.
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Música y discapacidad
[editar] Contextualización de la discapacidad
[editar] Terminología propuesta por la O.M.S sobre: discapacidad, minusvalía y deficiencia
- Deficiencia: “Dentro de la experiencia de la salud, una deficiencia es toda pérdida o anormalidad de una estructura o función psicológica, fisiológica o anatómica.”
- Discapacidad: “Dentro de la experiencia de la salud, una discapacidad es toda restricción o ausencia (debida a una deficiencia) de la capacidad de realizar una actividad en la forma o dentro del margen que se considera normal para un ser humano.”
- Minusvalía:“Dentro de la experiencia de la salud, minusvalía es una situación desventajosa para un individuo determinado, consecuencia de una deficiencia o de una discapacidad, que limita o impide el desempeño de un rol que es normal en su caso (en función de su edad, sexo y factores sociales y culturales).”
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Posibilidades afectivas
Posibilidades afectivas, emocionales, de personalidad y cognitivas: La música contribuye a: - Reforzar la autoestima y la personalidad mediante la autorrealización. - Elaborar pautas de conducta que faciliten la integración social. - Liberar la energía reprimida y conseguir el equilibrio personal a través del ritmo. - Sensibilizar afectiva y emocionalmente a través de los valores estéticos de la música. - Desarrollar capacidades del intelecto como la imaginación, la memoria, la atención, la comprensión, de conceptos, la concentración o la agilidad mental.
Posibilidades psicofisiológicas
Posibilidades psicofisiológicas: La música contribuye a: - Desarrollar la coordinación motriz con movimiento de asociación y disociación, equilibrio, marcha, etc. - Desarrollar la discriminación auditiva aprendiendo sonidos y ruidos, recordándolos, reproduciéndolos. - Adquirir destrezas y medios de expresión corporales, instrumentales, gráficos, melódicos. - Desarrollar la locución y la expresión oral mediante la articulación, vocalización, control de la voz, el canto. - Controlar la respiración y las partes del cuerpo que intervienen en la fonación y el canto. - Dotar de vivencias musicales enriquecedoras desde el punto de vista psicológico y físico.
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Experiencias musicales
Estas experiencias musicales resultan muy sugerentes y divertidas para los niños/as, ya que están de acuerdo con sus intereses lúdicos y por tanto educan de una manera natural. Manipulando los materiales musicales, accediendo mediante ellos a la organización perceptual y pasando de la imagen auditiva y visual hasta la representación mental y la simbolización, estaremos influyendo en la educación del niño/a de forma decisiva.
El objetivo de la educación musical será que los niños/as desarrollen sus potencialidades expresando la diversidad y riqueza de su mundo interior, dando nuevas y variadas formas a sus pensamiento estimulando su motricidad, sus sensibilidad afectiva y su capacidad creadora. Así, las actividades de expresión musical han de estar destinadas a desarrollar en los niños/as todas sus posibilidades psicofisiológicas, afectivas, emocionales, de personalidad, cognitivas y sociales.
experiencias infantiles
Además, estas experiencias infantiles tendrán gran importancia para moldear y formar la personalidad. Las experiencias musicales de participación activa (jugar con la pelotita mientras suena la música, sería pasiva sino participa sólo oye) son el medio idóneo para promover el desarrollo intelectual, físico, sensorial y afectivo-emocional de los niños/as. La vivencia de este tipo de experiencias repercute amplia y favorablemente sobre los demás objetivos educativos. Por ejemplo: las mismas técnicas básicas de atención, desinhibición, concentración, imaginación, creatividad, control motriz, etc. Desarrollada en música, son esenciales para el resto de los aprendizajes en las diversas aulas de conocimiento.
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Lenguaje exprersivo
La música como lenguaje expresivo y de comunicación no requiere ni exige actividades especiales. Por tanto, cualquier niño/a tiene su propia musicalidad en menor o mayor medida. Es una característica que se debe potenciar y desarrollar desde las edades más tempranas, así lo señalan psicólogos como Davison o Hargreaves, afirmando que la musicalidad constituye una de las actitudes más valiosas de tipo humanístico y no una habilidad aislada o altamente especializada, siendo la 1ª infancia la etapa más propicia para su desarrollo. Es entonces cuando los niños/as establecen sus primeros contactos con los elementos musicales a través de instrumentos sencillos, la voz y su propio cuerpo, adquiriendo técnicas que le van a permitir utilizar la música como lenguaje y medio expresivo.
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La influencia de la música en el desarrollo evolutivo del niño
La influencia de la música en el desarrollo evolutivo del niño
La música es un arte y un lenguaje de expresión y comunicación que se dirige al ser humano en todas sus dimensiones, desarrollando y cultivando el espíritu, la mente y el cuerpo. A través de la música se puede educar íntegra y armónicamente al niño/a. además es muy importante que el niño/a relacione la música con la actividad, el juego, el movimiento y la alegría, de forma que le ayude a expresar de forma espontánea y afectivamente las sensaciones musicales.
La intensidad
La intensidad: es uno de los elementos de la música que influyen en el comportamiento. Así, un sonido o música tranquilizante puede irritar si el volumen es mayor que lo que la persona puede soportar.
La instrumentación: los instrumentos de cuerda suelen evocar el sentimiento por su sonoridad expresiva y penetrante. Mientras los instrumentos de viento destacan por su poder alegre y vivo, dando a las composiciones un carácter brillante, solemne, majestuoso. Los instrumentos de percusión se caracterizan por su poder rítmico, liberador y que incita a la acción y el movimiento.
Tonalidad y altura
Tonalidad: los modos mayores suelen ser alegres, vivos y graciosos, provocando la extroversión de los individuos. Los modos menores presentan unas connotaciones diferentes en su expresión e influencia. Evocan el intimismo, la melancolía y el sentimentalismo, favoreciendo la introversión del individuo.
La altura: las notas agudas actúan frecuentemente sobre el sistema nervioso provocando una actitud de alerta y aumento de los reflejos. También ayudan a despertarnos o sacarnos de un estado de cansancio. El oído es sensible a las notas muy agudas, de forma que si son muy intensas y prolongadas pueden dañarlo e incluso provocar el descontrol del sistema nervioso. Los sonidos graves suelen producir efectos sombríos, una visión pesimista o una tranquilidad extrema.
Tempo y ritmo
Los efectos de la música en la conducta
La influencia de cada uno de los elementos de la música en la mayoría de los individuos es la siguiente:
Tempo: los tempos lentos, entre 60 y 80 pulsos por minuto, suscita impresiones de dignidad, de calma, de sentimentalismo, serenidad, ternura y tristeza. Los tempos rápidos de 100 a 150 pulsos por minuto, suscitan impresiones alegres, excitantes y vigorosas.
Ritmo: los ritmos lentos inducen a la paz y a la serenidad, y los rápidos suelen producir la activación motora y la necesidad de exteriorizar sentimientos, aunque también pueden provocar situaciones de estrés.
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