Archicémbalo

Estaba formado por seis teclados que dividían la octava en 31 grados, y de acuerdo con la teoría musical griega, poseía los géneros diatónico, cromático y enarmónico. Para su ejecución, el intérprete debía permanecer en pie para poder llegar bien a todos los teclados.

[editar] Historia

El archicémbalo fue inventado por Nicolà Vicentino, maestro de capilla de la corte de Ferrara, quien describió su invento en su obra L'antica musica ridotta alla moderna prattica (1555). Pietro Cerone señaló que << el archicémbalo es un instrumento que por primera vez espanta a cualquiera [sic] eminente organista, por una tan grande cantidad de cuerdas y también tan grande número de semitonos; y se pierde de tal manera que queda abobado y no sabe que hazer [sic]. Pero nunca se sintió tan acabada Harmonía [sic] , sino cuando el señor Luzzasco Luzzaschi lo tanía con toda excelencia; concertando en algunas composiciones hechas a tal fin>>.

Este gran clavecín atrajo años después la atención de Giovanni Battista Doni, inventor de la lira barberina. Doni, que redactó su valioso Compendio dell trattato dei generi e dei modi della musica, simplificó el invento de Vicentino, reduciéndolo a tres teclados.

Casi contemporánemente a Doni, otro teórico, Fabio Colonna, ideó un archicémbalo capaz de dividir la octava en 17 partes, al que llamó pentekontachordon (que literalmente significa "cincuenta cuerdas" en griego).

Sin embargo, Vicentino también tuvo sus detractores, siendo el más destacado el teórico portugués Vicente Lusitano; éste, mientras se hallaba en la capilla vaticana de Roma en 1551, mantuvo una fuerte controversia con el inventor de los seis teclados, al que juzgaba de artificioso. Lusitano estimaba una reglas más simples y sobre todo más prácticas. Dos años después dio a conocer la Introduttione facilissima e novissima di canto fermo, contrapunto semplice e in concreto con regole per fare fughe. Athanasius Kircher, de espíritu cientifista, dedicó un capítulo de su tratado De abaco phanharmonico Nicolai Vicentini (1650) a dicho instrumento. Wikipedia

cursos de guitarra en bogota

clases de guitarra en bogota

Clavicordio

El clavicordio es un instrumento musical europeo de teclado, de cuerda percutida y sonido muy quedo. Este instrumento no se debe confundir con el clave (harpsichord, clavecín, clavicémbalo, clavicímbano), la espineta o el virginal.

Óleo de Nicolas Poussin, en el Museo del Prado, Madrid.

Las teclas del clavicordio son simples palancas; cuando se hunde una de ellas se percute la cuerda con una pequeña púa de metal ("tangente") insertada en el extremo contrario de la tecla. Esta tangente determina la afinación (tono) de la cuerda al dividirla en su longitud. La longitud de la cuerda entre el puente y la tangente determina la altura (afinación) del sonido. Una de las dos partes de la cuerda dividida no suena porque está en contacto con una faja de fieltro agudo.

El intérprete puede hacer un pequeño vibrato (rápida y casi imperceptible variación de la afinación) realizando un efecto con el dedo, llamado en alemán Bebung ('temblor'): hace variar la fuerza con que mantiene apretada la tecla mientras la tangente se encuentra en contacto con la cuerda. Cuando el martillo abandona la cuerda, ésta deja de sonar y tiene una curva de extinción rápida.

El clavicordio —a diferencia del clave— posee "respuesta al tacto" (touch response): según la fuerza del ataque se puede variar la intensidad, aunque ésta siempre será muy débil. A partir del mecanismo del clavicordio —que permite tocar con diferentes dinámicas entre el piano (suave) y el forte (fuerte)—, los italianos crearon el pianoforte (el actual piano), que desplazó a sus dos antecesores, el clavicordio y el clave.

Esquema de funcionamiento: A/B. Teclas. 1A/1B. Tangentes. 2A/2B. Palancas. 3. Cuerda. 4. Tabla de armonía. 5. Puente, próximo al clavijero. 6. Fieltro amortiguador.

Como las cuerdas vibran desde el puente sólo hasta donde se aplicó el martillo, se pueden asignar varias teclas con sus respectivos martillos a la misma cuerda (como en el monocordio). A este sistema se le llama "clavicordio trasteado" (fretted clavichord). Esta técnica simplifica la construcción (debido a que se requieren menos cuerdas) pero limita las habilidades del instrumento ya que en cada cuerda sólo se puede ejecutar una altura (nota) a la vez. Por eso era muy raro que se le asignaran más de dos notas a cada cuerda. Generalmente para compartir una misma cuerda se elegían pares de notas que en esa época nunca se oían juntas (por ejemplo el do y el do#, en su defecto se prefería el trino, es decir, variación muy rápida de la nota).

Aunque casi cualquier música escrita para clave, piano u órgano se puede tocar con clavicordio, su sonido es demasiado tenue como para tocar en conjuntos de cámara. Carl Philipp Emmanuel Bach (el hijo de Johann Sebastian Bach) fue un gran compositor de obras para clavicordio.

El clavinet —que se usaba en la música funk y en el rock desde los años cincuenta— era básicamente un clavicordio eléctrico que utilizaba una cápsula magnética para generar una señal eléctrica amplificable. Wikipedia

cursos de guitarra en bogota

clases de guitarra en bogota

Las formas y géneros musicales

El clave, desde el siglo XV hasta el XVIII, y el XX hasta nuestros días, prácticamente ha abarcado los géneros vocales e instrumentales, en multitud de combinaciones y sin acompañamiento alguno. Son muchas las formas musicales en que el clave ha participado, siendo omnipresente e imprescindible en los siglos XVII y XVIII, en prácticamente toda la música, por su uso como bajo continuo.

Formas específicas, y de gran importancia para el clave solista, se encuentran en las fantasías, fugas, sonatas, caprichos, las suites, los preludios, las variaciones, las oberturas y las tocatas, formas habituales en el barroco.

Frescobaldi es el gran maestro de estas formas (excluyendo la suite), que desarrolla hacia 1650 e influye notablemente en las generaciones posteriores. Es el punto de partida de Bach, Couperin, Rameau y Scarlatti. Su obra Fiori musicale contiene ejemplos cimeros de las formas antedichas.

Pachelbel, y Kuhnau también contribuyeron a la variación y la sonata respectivamente, en la segunda mitad del siglo XVII, donde son muy importantes las sonatas bíblicas, y las variaciones Hexacordum epalinis.

Bach es una figura capital en el desarrollo estas formas en el clave. Los preludios y fugas tienen un hito en los libros I y II del Clave bien temperado (BWV 846-893). La variación con las famosas Variaciones Golberg (BWV 988). La fantasía con su Fantasía cromática (BWV 903). Las suites inglesas, francesas y partitas, en su obra BWV 812-830. La obertura un ejemplo destacado en la Obertura francesa (BWV 831).

François Couperin y Rameau se aplicaron a la evolución de la suite francesa para teclado, a la que dedicaron los esfuerzos de siete obras publicadas entre 1706 y 1730. Junto con las BWV 812-830 de Bach, componen el repertorio clásico de la suite barroca europea para tecla.

Scarlatti, con sus más de 500 sonatas de un solo movimiento, es el máximo compositor de esta forma en el clave. Además de suponer el cénit de la sonata para teclado barroca, se adelanta y anticipa soluciones que culminarán en las sonatas para pianoforte de Haydn, Mozart y Beethoven. Su discípulo Antonio Soler también compuso y desarrolló ampliamente la sonata, escribiendo unas 200 piezas de ese género, si bien más variadas, pues incluyó la división de la sonata en tres movimientos y el clave concertante.

Händel es el otro gran maestro en la forma de la variación, junto con Bach, con las variaciones Blacksmith, compuestas hacia 1720. Igualmente, sus ocho grandes suites para clave, compuestas en 1720, es otro ejemplo del nivel alcanzado en esa forma musical.

En el siglo XX Shostakovich rinde homenaje a estas formas para clave, y a Bach y su Clave bien temperado, con sus 48 preludios y fugas, aunque no están escritas para clave, sino al piano. Wikipedia

cursos de guitarra en bogota

clases de guitarra en bogota

La actualidad (1950-...)

En la segunda mitad del siglo XX y en nuestros días, el clave se encuentra totalmente instaurado en la música académica europea, la música clavecinística goza de buena salud y muchos compositores componen para el instrumento ya sea como solista, a solo o en formaciones de cámara. En estos años, además la música para clave traspasa el ámbito de la música académica, y se expande por diferentes estilos musicales relacionados con la música académica:la música de cine, la música de anime, y la música de videojuegos. Incluso el clave esta presente en géneros como el flamenco, tango, pop, rock y J pop, que son totalmente ajenos al ámbito musical tradicional del clave, acentuando la relevante importancia en el panorama musical actual.

Compositores destacables de estas ultimas décadas, desde 1950, en en el ámbito clavecinistico de la música académica, se podría citar a Krzysztof Pendereki, Viktor Kalabis, Jiří Válek, Alfred Schnittke, Henryk Górecki, Jacques Valmond, Philip Glass, Roberto Carnevale, Elliott Carter, Vladimír Godár, Vittorio Rieti, Jean Courtioux, György Ligeti, Daniel Pinkham, Pēteris Vasks, Henri Dutilleux, Goffredo Petrassi, Jacques Valmond, Jiří Válek, Jiri Gemrot, Lubor Barta, Milan Slavicky, Jiri Teml, Petr Eben, Dmitri Shostakovitch(1906-1975), Alain Louvier y el clavecinista Hendrik Bouman. Wikipedia

cursos de guitarra en bogota

clases de guitarra en bogota

El resurgir: primera mitad siglo XX (1912-1950)

En los inicios del siglo XX, a partir de la decisiva labor de la clavecinista Wanda Landowska, el clave vuelve a ser protagonista en el interés de los compositores, después de una largo tiempo olvidado y eclipsado por el piano desde finales del siglo XVIII.

A partir de 1912, con la primera interpretación en publico del instrumento por parte de Landowska, los compositores prestan la atención al redescubierto instrumento, que les atrae su sonido metálico, antiguo y exótico. La celebre interprete, aparte de impulsar la interpretación en el clave, también reaviva el interés de componer música encargando nuevas obras especificas a los grandes compositores del momento.

A partir de los encargos, el clave rápidamente se vuelve a nutrir de muchas obras, empezando en 1923 con el Retablo de Maese Pedro de Manuel de Falla (1876-1946), el primer gran compositor destacado de música para clave del siglo XX después de C. P. E. Bach.

Más tarde, en 1928, Francis Poulenc compone el Concierto campestre para clave, luego Falla compone el Concierto para clave compuesto el mismo año, el clave ya ha despertado el interés entre los compositores, que crearán música para el instrumento durante el resto del siglo, llegando hasta nuestros días.

Los compositores que más sobresalen en la primera mitad del siglo XX son los antes mencionados Manuel de Falla y Francis Poulenc (1899-1963).

Entre sus contemporáneos se encuentran Bohuslav Martinů (1890-1959) y Frank Martin (1890-1974). Wikipedia

cursos de guitarra en bogota

clases de guitarra en bogota

La decadencia y el olvido: el clasicismo y el siglo XIX (1750-1912)

En la segunda mitad del siglo XVIII, después de la muerte de Rameau, Bach, Händel y Scarlatti entre 1750 y 1764, la música destinada al clave sufre una rápida decadencia pues los compositores están cada vez más interesados con el nuevo pianoforte. Fascinados con las posibilidades del nuevo instrumento, el clave será totalmente remplazado entre 1775 y 1790 por primitivo piano, aunque en este periodo, y durante algunas décadas, la música compuesta para el pianoforte también era interpretada en el clave, o a la inversa, indistintamente.

Entre los períodos del barroco y el clasicismo son los dos hijos mayores de Johann Sebastian Bach los más sobresalientes compositores de música para el clave: Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), y sobre todo Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788).

Otros compositores del clave clásico, son los ingleses Thomas Augustine Arne (1710-1778), William Boyce (1711-1779) y el español Antonio Soler (1728-1783). La escuela francesa del clave, que tuvo su apogeo con Rameau y Couperin entre 1706 y 1748 declinará hasta su desaparición tras la Revolución francesa a partir de 1789 y la imposición del nuevo estilo romántico y el piano.

Mozart y Haydn, que aunque en sus primeros años destinaban sus obras al clave y al pianoforte sin distinción alguna adoptaron en su etapa de madurez el nuevo instrumento.

A partir de 1790, los compositores dejan totalmente de componer para el antiguo clave, cayendo en desuso hasta el siglo XX. El renacimiento del instrumento se produce gracias a la figura de la clavecinista Wanda Landowska, que recupera el interés por el clavicémbalo en la música contemporánea. Wikipedia

cursos de guitarra en bogota

clases de guitarra en bogota

Clavecín España y Portugal

La música para clave en la Península Ibérica tiene un hito importante en la llegada de Domenico Scarlatti, compositor y clavecinista napolitano, a la corte lisboeta de la princesa portuguesa Bárbara de Braganza como maestro de música y teclado en 1721. Cinco años más tarde, tras el matrimonio de su alumna con el futuro rey de España Fernando VI, se traslada a Sevilla, donde escuchó los aires populares andaluces que tanto influyeron en su música, y posteriormente a la corte de Madrid, donde murió en 1757.

En estos más de treinta y cinco años, Scarlatti desarrolló un estilo profundamente influido por las tonalidades y modos andalusíes y por el ritmo vivo de los rasgueos de guitarra o las castañuelas en las más de quinientas sonatas bipartitas que compuso para el clavicémbalo y que supusieron un monumento capital de la música española e influyó en la escuela de clavecinistas ibéricos contemporáneos y posteriores.

Así, se pueden observar concomitancias en la figura principal del clave lusitano del siglo XVIII, Carlos Seixas, nacido en Coímbra y organista de la Catedral de Lisboa. Poco más tarde fue ascendido a vicemaestre de la Capilla Real, cuyo titular era Doménico Scarlatti, y a cuyo contacto se debe la influencia del clavecinista italo-español.

Al lado de Scarlatti en la corte española trabajó el maestro de clave de Fernando VI, Sebastián de Albero. Se trata de un clavecinista vigoroso y vanguardista que, sin embargo, dejó poca obra debido en parte a que no fue publicada o conservada y a su pronta muerte a los treinta y cuatro años.

La segunda mitad del siglo dieciocho está ocupada por la imponente figura del Padre Soler. Nacido en Olot, pronto obtuvo el cargo de organista y director del coro del monasterio de San Lorenzo de El Escorial, donde entabló contacto con Scarlatti y otros clavecinistas españoles como José de Nebra. Su música, que ya preludia el clasicismo, se diversificó en conjuntos instrumentales y corales, con obras sacras y profanas en las que mostro una prolífica maestría. Wikipedia

cursos de guitarra en bogota

clases de guitarra en bogota